Por amor a la musica: Stryper "To Hell With The Devil" y el punto final de una bonita historia.

Nueva y difícil ronda, para mi,  de PAALM en la que desde Pupilandia se nos propone portadas de álbumes con referencias bíblicas con cierto toque irónico, toque que me veo incapaz de aportar por motivos que explicare al final de este post.

Mi elección es la de la banda americana de los 80, Striper, banda de glam metal caracterizada principalmente por su condición de cristiana, en contrapartida a las supuestas referencias "satánicas" de bastantes bandas de Heavy Metal de la época, si bien yo siempre considere que lo de cristiana no dejaba de ser otra etiqueta mas que atraería a un publico reacio a las "supuestas bandas satánicas" a las que me refería antes, vamos money, money y mas money de las discográficas.

La portada elegida es la de su su segundo LP, el mas famoso de su discografía, llamado "To Hell With The Devil" del año 1986, con el cual llegaron a alcanzar hasta una nominación a los Grammy.

La banda esta compuesta por los hermanos Sweet, Michael (cantante) y Robert (Bateria), Tim Gaines (Bajo) y Oz Fox (Guitarra).

La portada en cuestión muestra una imagen bíblica en la que se representa al ángel caído, tema que entre otros versículos viene reflejado en el libro del apocalipsis, mas concretamente en los capítulos 12, versículos 9 y 11 donde se indica que a consecuencia del sacrificio de Cristo y la fidelidad de sus seguidores se logro que el diablo y sus demás ángeles rebeldes fueran confinados a la tierra definitivamente, sin posibilidad de retorno. El arcángel Miguel es el encargado de expulsar del cielo a Satanas y a la parte de ángeles rebeldes con el, es lo que se conoce como ángel caído.

"Sorprendentemente" la portada tuvo su controversia por considerarla ofensiva en círculos cristianos (¿os suena el tema?), pasando a ser esta la portada oficial:

Y ahora viene lo chungo, el comentaros a todos el porque esta ronda de PAALM es la mas difícil de cuantas me ha tocado.

Como muchos de vosotros, hace unos días recibir un correo de Blogger en el cual se me explicaba su nueva política de contenidos, carta con la que yo no puedo estar mas en desacuerdo. El caso es que después de leerla y de recapacitar sobre el tema he llegado a la conclusión de que voy a optar por cerrar el blog señores, lo dejo, doy por terminada, con este post, mi aventura por estos lares.

Cuando decidí emprender esta bonita aventura lo hice fascinado por la libertad de pensamientos, libertades gráficas, artísticas, llenas de creatividad de las cuales yo me empape y considero que llegue a aportar también algo a los demás, me sentí "un creador de algo" realmente bonito, sin barreras ni cortapisas, siempre de forma legal y con respeto, educación y buen gusto. El caso es que después de comprobar esa nueva política de Blogger, con la que no estoy de acuerdo, me niego a seguir en esta plataforma digital, no quiero estar sometido a censores que llegado un buen día determinen que lo que yo haga o deje de hacer es moral o éticamente aceptable o no.

Si por algo me duele haber tomado esta decisión es por dejar "colgados" a mis compañeros de juego, Pupi, Forrest y Bernardo y a todos los que semanalmente pasabais por aquí. Espero que si os molesta me sepáis perdonar, espero que me entendáis, es una decisión personal, esa dichosa carta me ha dejado desmotivado, sin ganas de seguir, joder, no me gustan las situaciones agónicas, el ver como van cerrando mis blogs habituales de visita diaria y el tener que estar pendiente de que si mis cambios en el blog iban a gustarle o no al censor de Mountain View de turno, no voy a tocar nada de mi blog, no voy a esperar a que me lo cierre nadie, lo hago yo y punto.

Aunque parezca paradójico, animo desde aquí a los que asiduamente observáis desde fuera este juego que os animéis a participar, es alucinante, no sabes lo que podes llegar a descubrir, de verdad, PAALM, debe continuar.

De todas formas espero que esto sea un hasta pronto, estoy barajando volver a empezar de cero, no ya como 67Rockbiker, sino con algo totalmente nuevo, en otro tipo de plataforma, al igual que otros muchos. de ser así no seria nada inmediato, no tengo ganas, la verdad, pero si finalmente me decido, os lo haré saber.

Amigos mios, ha sido todo un placer, una experiencia increíble que doy ya por finalizada, un saludo y un abrazo a todos, hasta siempre o hasta pronto, ni yo mismo lo se.

Por amor a la musica: The Dwarves invented Rock and Roll.

Nueva ronda de PAALM en la que el master Forrest nos pone como clave hablar de "covers" o portadas de álbumes en las que aparezcan dos o mas señoras en cueros, desnudas completamente, nada de insinuaciones o transparencias. Tal y como lo comenta esta ronda nos va a gustar, sin duda, además de por la temática de las portadas, por los grupos en si. 

En mi caso, la agradable búsqueda me ha llevado hasta una banda desconocida para mi pero que cumple, de sobra, con las condiciones, tanto artísticas (portada con tres señoras completamente desnudas) como musicales. Estoy hablando de la banda estadounidense de punk/hardcore The Dwarves.

Esta banda lleva en activo desde el año 1983, cuando se formaron en Chicago. Sus inicios estaban enmarcados dentro del garaje punk rock mas salvaje y transgresor que os podáis imaginar, con altas dosis de drogas, automutilaciones y sexo en todas sus cortas pero intensas actuaciones.

En 1989 se trasladan a San Francisco y publican su álbum "Blood, Guts and Pussy" iniciando una  linea musical mas hardcore. Después de anunciar la muerte de su guitarrista por una puñalada en Filadelfia en en el año 1993 e implicar en el anuncio a su compañía de discos "Sub Pop" y otra ver que se trataba de una broma macabra, son expulsados de dicha compañía y la banda se disuelve. Pero en el año 1997 vuelven con una linea musical distinta, participan en la BSO de la película de Jim Carrey "Me, Miself and Irene" e incluso ponen banda sonora a la campaña de George Bush, ofreciéndole su canción "River City Rapids". 

Es de destacar que en 2004 fichan por el sello de musica indie americano "Simpathy for the records industry" y sacan el album "The Dwarfves must die" donde colaboran personajes como Dexter Holland (Offspring), Nick Oliveri (QOTSA) y Nash Kato (Urge Overkill).

Su nueva linea musical mantiene la esencia del punk primigenio de sus orígenes pero mas enfocado hacia un pop rock tipo Ramones. Sus álbumes son cortos, directos, contundentes, que no duran mas de 20-25 minutos.

Mi elección para esta ronda del juego es la de su ultimo trabajo, publicado en agosto de 2014 bajo el "pretencioso" nombre de The Dwarves invented Rock and Roll", álbum numero 14 de su extensa carrera, compuesto por 15 temas de los que destacaría los mas pop rockeros como puedan ser "Trailer Trash", "Sluts of the USA", "Anything you Want", "Fun to Try", temas bastante festivos, eso si, sin desmerecer al resto, una clase magistral de punk rock del que nunca muere.

 

Respecto a la tematica de sus covers la verdad que son un filon para esta ronda del juego, mujeres desnudas en casi todos sus trabajos, enanos y demás componentes bastante sorprendentes y gratificante, tanto por ser transgresor como por tocar un poco las narices, sobretodo a colectivos ultra feministas con los que han tenido mas de un roce.

Por amor a la musica: Racer X

Nueva ronda de PAALM en la que desde "Mi tocadiscos dual" el gran Bernardo nos propone hablar de grupos con nombres relacionados con el mundo de los superheroes o supervillanos, ahí es nada.
En este caso se trata de dos temáticas que me apasionan de gran manera si bien cada una de forma separada. La música es la única que permanece de forma activa, los cómics y series de animación siguen apasionandome, pero mas desde la distancia, y porque no decirlo, desde la nostalgia de tiempos pasados.
En su momento fui un "Marveladicto"total, fan de todo o que salía de esa maravillosa casa, me conocía todo sobre "Spidey", disfrutaba de sus andanzas y llegue a llorar con sus desgracias, os lo juro, alucine con Thor y esa dualidad celestial y terrenal, disfrute con Tony Stark y su "armadura mágica" y así con un sinfín de personajes alucinantes que me acompañaron durante un montón de años. Soy de los que a día de hoy se siente muy, muy afortunado de ver versiones cinematográficas merecedoras de lo que fueron para mi estos personajes, joder, si es que yo fui uno de los que corrieron al cine a ver las versiones infames que se hicieron de Spiderman y Capitan America en los años 80.

Después me vi absorvido por el mundo de Conan "el cimerio" y durante muchos años vague por Hyboria junto a tan tremendo personaje, lo sabia todo, personajes, mapas, todo, todo.

Después poco a poco todo esto se fue diluyendo que no desapareciendo, y mis aficiones se decantaron por otro lado pero mi colección de cómics permanece y la guardo como oro en paño.

El caso que todo esto que os cuento tuvo su origen, su principio y este fue el de la serie animada Meteoro, adaptación al español del nombre origina "Match Go Go Go" serie de anime japonesa sobre automovilismo producida en 1967 que pocos años mas tarde serian emitidos en TVE cuando nada mas había dos canales y no muchos colores en la pantalla. Recientemente se hizo una película bajo el nombre de Speed Racer, de los hermanos Watchovsky, los de Matrix, que no me convenció nada, la verdad.





Mi personaje elegido es el villano de esta serie de animación, la primera serie animada de la que yo tengo recuerdo alguno, y es el personaje Racer X, el malo de la serie cuyo deportivo amarillo con un raya negra en medio y el numero 9 a los lados me creo un trauma infantil, joder, si es que yo siempre he querido tener un deportivo amarillo con una raya negra en medio y no puedo tenelo, de momento. en fin me tendré que consolar con tenerlo en el "Forza Horizon" de mi Xbox, no me queda otra.

¿Y el Grupo en cuestión? pues el grupo es uno del que hable en otra ronda del juego, obviamente su nombre es Racer X, el grupo de Paul Gilbert, guitarrista de Mr Big, del cual os hable brevemente en dicho post.

El álbum elegido es del año 2003, se titula "Gettin´Heavier" y pese a que fue destrozado por la critica, acusándolo de ser muy blandito, muy ropero, a mi me parece un trabajo muy digno mas en la lina de Mr. Big, com bonitas melodías y un trabajo instrumental alucinante.

Perdonareis la brevedad de mi post, pero no doy para mas.

Por amor a la musica: Judas Priest

Llego mi turno en PAALM en el que me toca proponer, tal y como nos marco el Master Forrest, el nombre de una banda, y el origen de dicho nombre alrededor del cual los demás concursantes deberan elegir sus opciones.
Mi elección es la de la mítica banda británica de Heavy Metal, Judas Priest y la clave es la de elegir bandas en las cuales el origen de su nombre este en canciones, bien títulos o letras, de otros artistas, obviamente. Espero dejarlo mas claro a lo largo de este post en el que me limito a relatar el origen del nombre Judas Priest.

Corria el año 1969 cuando en las afueras de Birmingham, en el pueblo de West Bromwich, el cantante Al Atkins forma una banda con Bruno Stapenhill (bajo), John Perry (guitarra) y John Partridge (batería). Esta formación fue efímera pues a los pocos días el guitarra John Perry falleceria en accidente de trafico.

Después de unas audiciónes, en las un tal K.K. Downing fue rechazado, el elegido fue Ernie Chataway, que provenía de una banda del mismo Birmingham llamada ""Earth" grupo que posteriormente daría origen a otro llamado "Black Sabbath".

Después de experimentar con varios nombres, el bajista Stapenhill les propuso llamarse Judas Priest, nombre que tomo de la canción "The Ballad of Frankie Lee and Judas Priest" del cantante Bob Dylan y de su álbum "John Wesley Harding" de 1967. Esta canción de Dylan tiene una moraleja, algo nada usual en las letras de Dylan que viene a decir "La moraleja de esta historia, la moraleja de esta canción es que uno nunca debe estar donde no pertenece".

Después de unos duros comienzo,s en uno de sus conciertos, alla por 1969 en el hotel "The George" de Walsall, coincidieron ejecutivos de Harvest Records, de Inmediate Records y el mismisimo Robert Plant, gracias al cual firmaron un contrato de tres años por Inmediate Records, del cual debería salir su disco de debut, algo que desgraciadamente no ocurrió al quebrar la discográfica lo cual provoco la separación del grupo.

Asi es como a mediados de 1970, Atkins regresa a Birmingham y coincide con una banda llamada "Freight" integrada por un tal K.K: Downing (guitarra), Ian Hill (bajo) y John Ellis (batería). Al no tener cantante, Atkins les propone unirse a ellos y utilizar el nombre de Judas Priest cosa que aceptaron. así empiezan a tocar en clubes y teatros telefoneando a grupos como Bungie y Slade, y compartiendo escenario con un tal Gary Moore.

La ausencia de ingresos y apoyo discográfico hicieron que Ellis abandonara el grupo siendo sustituido por Chris Campbell. En el año 1972 telonearon a Status Quo, Thin Lizzy y UFO, llegando a ser telefoneados en algunos conciertos por unos recién formados Magnum.

A pesar de que los conciertos iban a mas, los problemas financieros persistían lo cual provoco la salida de Atkins de la banda a principios de 1973 pues acababa de ser padre y lo que necesitaba era un trabajo estable.

Así es como a mediados de 1973 con todo en el aire, la novia de Ian Hill les presenta a su hermano, un técnico de iluminación de teatros que en su tiempo libre era vocalista de una banda llamada Hiroshima, que respondía al nombre de Rob Halford. Después de una prueba en la que impresiono a todos con los agudos que alcanzaba, se unió a la banda. Ya en este punto se pusieron en contacto con Al Atkins para pedirle permiso y utilizar tanto las canciones compuestas hasta ese momento como el nombre de la banda, temas a los cuales dio su aprobación.

Después de estos hechos grabaron una demo e hicieron una gira teloneando a Budgie en la gira "Never Turn Your Back on A Friend Tour". Ambos hechos les consiguieron un contrato con Gull Records y la grabación de su primer álbum en agosto del 74 el mítico "Rocka Rolla" dando inicio a esta leyenda del Heavy metal que son Judas Priest, pero esta es otra historia tan larga y extensa que es imposible de resaltar en un solo post.

Por amor a la musica: ¿Quien dijo que a las momias no les gusta el Funk?

Nueva y terrorífica ronda de PAALM en la que desde Pupilandia se nos propone como clave el comentar sobre bandas o solistas con un nombre que haga tributo a algún monstruo, zombie, momia o criatura de mala calaña que haya protagonizado alguna película de terror, misterio, ciencia ficción o suspense antes del año 1979 (ya nos explicaras el porque de esta fecha, aunque me lo imagino je, je, je...).

Os recomiendo encarecidamente que paséis por su post, es realmente alucinante, nos cuenta la historia de una banda desconocida para mi, Electric Frankenstein, pero que me ha encantado y me esta enganchando mucho, mucho.

Mi elección para esta ronda viene desde los EE.UU., mas concretamente desde Nashville, Tennesee y no es country precisamente. La banda se llama "Here Come The Mummies", grupo hasta ayer completamente desconocido para mi, pero que me esta dejando bastante flipado, la verdad.

Respecto a la historia del grupo poco se puede contar, es bastante misteriosa, la verdad. Llevan tocando desde el año 2000 hasta la actualidad con seis álbumes en su haber y varios EP´s y participaciones en dos recopilatorios y en dos BSO. Se caracterizan por sus intensos conciertos en directo y por mantener sus identidades bajo el mas absoluto de los anonimato bajo sus disfraces de momias con los que actúan. Han colaborado poniendo música en programas de EE.UU. como el llamado "The Bob and Tom show" y han participado en la BSO de la película "Fired Up¡¡". Se sospecha que bajo sus falsas identidades hay músicos ganadores de varios Grammy y que no las hacen publicas para evitar problemas relacionados con sus contratos discográficos.

Se hacen llamar de la siguiente manera:

• Mummy Cass(anova): Guitarra y cantante.
• Java Mummy: Percusion y cantante. Nacido en 1974 A.C. como J. Mummy Love.
• Eddie Mummy: Bateria y voz
• Spaz Mummy: Teclados.
• K.W. (Big Bomb) Tut: Bajo y voz.
• Mummy Ra: Saxo Tenor.
• The Flu: Saxo Baritono.
• Midnight Mummy: Saxo Baritono.
• The Pole: Bajo.
• B.B. Queen: Trompeta.
• Teste Verde: Trompeta.
• Bucking Blanco: Trompeta.
• Ramses Mummy: Bajo.
• Hoser: Saxofon.

Y sus albumes de estudio son:

• Terryfing funk from beyond the grave (2002)
• Everlasting Party (2003)
• Single Entendre (2008)
• Carnal Carnival (2010)
• Bed, Bad and Behind (2011)
• Introducing The Tiny Tuts (2012)
• Criptic (2013)

Que queréis que os diga, me encanta descubrir estos grupos bizarros totales, visuales, muy visuales y con una calidad musical desbordante, ahora toca disfrutarlo cosa a la que me voy a dedicar desde ya y recordad, las momias si saben bailar funky.

Por amor a la musica: Estelares y Oscar de la Hoya.

Nueva ronda de PAALM en la que el master Forrest nos lo pone un poquito mas difícil todavía, al menos esa es mi primera impresión, proponiendo hablar de nombres de bandas con un sentido determinado, siguiendo los demás participantes en esa misma linea. Comienza marcando como clave nombres de bandas que hagan referencia a deportistas o lugares famosos del deporte, si bien deja abierto un plan b que es el hablar de álbumes que contengan canciones que se refieran deportistas o lugares deportivos. A esta ultima opción es a la cual yo me voy a acoger pues después de todo un día devaneandome los sesos con nombres de bandas no consigo encontrar nada.

Mi elección es la banda argentina Estelares y su álbum del año 2003 "Ardimos" en el cual tenemos un tema llamado "De la Hoya" basado en la figura de uno de los mas grandes púgiles de la historia, el gran Oscar de la Hoya.

"Ardimos" es el tercer álbum de esta banda Platense, compuesta entonces por Carlos Sanchez a la batería, Manuel Moretti a las voces, Victor Bertamoni a la guitarra y Pali Silvera al bajo. Actualmente funcionan como trio, cambiando ocasionalmente de batería.




En este álbum se centran mas en los que el rock, dejando un poco mas de lado esos aspectos mas jazz, soul y de tango que en mayor o menor medida siempre van con ellos.

Son catorce temas propios, pop rock fresco típicamente argentino y una versión "Birds" de Neil Young con la que cierran del álbum. Este fue el álbum que los catapulto al estrellato teniendo colaboraciones como las de Andres Calamaro, Hilda Lizarazu o Gabriel Carambula.




Y de regalo veamos como fue Oscar de la Hoya, "Golden Boy", una maravilla, la verdad.

Por amor a la musica: Pete Townshend

Nueva ronda de PAALM en la que Vinny, desde su paraíso particular de Vinny, Vidi, Vici nos invita a hablar sobre músicos con sordera parcial o total, además de anunciarnos su retirada, esperemos que temporal, de este juego. Que sepas que se te va a echar de menos desde este rincón de la blogosfera y que te voy a seguir leyendo, además de agradecerte todas las aportaciones musicales que me has dado, un saludo y un hasta pronto.

Centrandonos en el juego mi elección es la del guitarrista, y principal compositor de una de las bandas mas grandes que nos ha dado el rock en todo su amplio concepto, ni mas ni menos que The Who. Quizás no sean tan mediáticos como lo puedan ser los Beatles o los Rolling, pero no se quedan por detrás de ellos, ni mucho menos.

No me voy a extender a relatar toda su biografía, es algo que resultaría agotador e innecesario dado lo fácil que es llegar a ella y lo conocido de muchos de sus pasajes, me voy a centrar de forma breve en plasmar lo que es para mi la figura de este hombre y lo importante de sus aportaciones al mundo del "guitar hero".

En primer lugar, para relacionarlo directamente con el motivo de hablar hoy de Townshend, decir que desde mediados de los 70, Townshend sufre de sordera progresiva y de Tinnitus como consecuencia del alto volumen musical utilizado en sus conciertos, algo de lo que alardeaban en su momento. Se les llego a medir 120 decibelios a 40 metros del escenario. Parte de su sordera se atribuye a una infame presentación que dieron en un programa de la BBC, en el año 1967, "Smothers Brothers comedy hour" en el que el batería Keith Moon colocó gran cantidad de material explosivo dentro de su batería, haciéndolo explotar cuando Pete Townshend estaba junto a ella.

A Pete Townshend se le puede considerar un autentico superviviente del rock, sobreviviendo a todo tipo de conflictos personales (bipolaridad y adicciones varias) y profesionales, excesos y tragedias como la muerte de sus compañeros de banda, Keith Moon y John Entwistle.

Fue el máximo portavoz del fenómeno mod, en la década de los 60 y posteriormente, en los 70´s su mezcla de poses, gestos y coreografías de su propia cosecha le convirtieron en un guitarrista único así como hicieron de la guitarra el instrumento icónico del rock, en general.

Si a esto le unimos su forma de tocar la guitarra, llena de efectos sonoros, improvisaciones fantásticas, una energía desbordante y un inigualable sentido del ritmo, nos encontramos ante una figura fundamental dentro de la historia de la música. En buena parte debido a él, se considero a The Who responsables de ser unos de los fundadores del genero Heavy Metal. Asimismo, gracias a obras como "Tommy" y "Quadrophenia" se convirtió en el creador de un termino tan usado desde entonces como es la "obra conceptual".

Yo, personalmente lo descubrí tarde, recién entrado en la treintena, y desde entonces son una de mis bandas favoritas, soy mas fan de discos concretos que de toda su carrera, pero en todos sus trabajos siempre hay algo que les hace ser especiales.

Por amor a la musica: Popa Chubby

Antes que nada desear a todos los asiduos, feliz año, y pedir excusas a mis compañeros de juego, no se porque, pero había dado por supuesto que iba haber un descanso navideño hasta esta semana, motivo por el cual he dejado de lado mi actividad en el blog.

Con gran sorpresa he comprobado la propuesta del gran Bernardo, propuesta que data de hace casi dos semanas, pero bueno, como nos propuso tomarlo con calma, digamos que así es como me lo he tomado, que remedio me queda.

Su propuesta es hablar de músicos con el sobrepeso como enfermedad a tratar, estando completamente de acuerdo al considerarla como tal.

Mi elección es la del Blues-man Popa Chubby, tremendo guitarrista, tanto técnica como físicamente.

Popa Chubby está considerado el rey del blues de Nueva York, y lo cierto es que es uno de los mayores virtuosos en lo que a intérpretes de guitarra eléctrica se refiere. Nacido en 1960, con el nombre de Ted Horowitz, hijo de unos propietarios de una tienda de caramelos.

 Creció escuchando a Otis Redding, Aretha Franklin, Wilson Pickett y Marvin Gaye, que siguen siendo algunas de sus principales influencias. Empezó a tocar la batería y convirtió a Chuck Berry en su nuevo ídolo, pero la muerte de su padre cuando tenía sólo nueve años le apartó momentáneamente de su incipiente carrera musical. En los 70 se aficionó al blues y al rock que sonaba en las radios, de artistas como Johnny Winter, Foghat, Led Zeppelin o The Rolling Stones. Con 16 años empezó a tocar la guitarra y pronto entró a formar parte de su primer grupo, Screaming Mid George. Con este conjunto tocó en el club CBGB, donde fue descubierto y contratado por Richard Hell para una gira mundial. 

En 1984 conoció a la cantante y compositora Pierce Turner, que le contrató para una gira mundial y con la que colaboró en su álbum The sky and the ground. Trabajó con ella regularmente el resto de la década.

Ya en 1990 creó su propio grupo, la Popa Chubby Band, con el nombre tomado de un tema interpretado en un concierto por Bernie Worell (uno de los miembros fundadores de Parliament-Funkadelic).

 En 1991 ganó un concurso radiofónico que le permitió actuar con mayor asiduidad en clubes locales y regionales, así como grabar sus dos primeros discos en su sello. En 1994 firmó por el sello O-Keh, trabajando con el productor Tom Dowd (Aretha Franklin, Ray Charles y Wilson Pickett, entre otros) para grabar Booty and the beast (1995). Tras este primer disco con una compañía dependiente de una major, rescindió el contrato para seguir por libre, debutando en directo en Europa, donde a partir de entonces siempre tuvo mayor repercusión que en Estados Unidos. Durante la segunda mitad de los 90 propuso varios proyectos más para el sello francés Dixiefrog, además de producir a otros artistas con la marca “Popa Chubby Productions”. Pretendía así definir un subestilo llamado New York City Blues, que fusiona R&B, hip hop, punk y rock.
 
En el 2000 llegó el influyente y aclamado "How’d a white boy get the blues?", editado en Europa por Dixiefrog (con más de 60.000 copias vendidas) y en Estados Unidos por Blind Pig Records, un trabajo en el que integraba elementos de R&B y hip hop al blues. Le siguieron "The good, the bad and the Chubby" (2002) y "Peace, love and respect" (2004). Del 2006 data "Stealing the devil’s guitar", para Blind Pig Records, y también el triple CD "Electric Chubbyland", un homenaje a Jimi Hendrix, para Dixiefrog (pero que ha sido editado, por separado, en Estados Unidos, por Blind Pig Records). A principios del 2008 edita "Deliveries After Dark". En Febrero del 2009, Dixiefrog Records presenta "Vicious Country", la colaboración entre Popa Chubby y Galea. A principios del 2010, Blind Pig Records publica el álbum de estudio "The Fight Is On", y poco más de un año después, Provogue edita "Back To New York City" siendo sus dos últimos trabajos, hasta el momento, "Universal Breakdown Blues (2013) y "I´m Feelin´ Lucky (The Blues acording to Popa Chubby)" del año 2014.

Por amor a la musica: Rick Allen.

Llego mi turno en PAALM y sin ninguna tipo de rodeo planteo la clave de mi propuesta semanal. Tendremos que hablar de músicos que tengan algún tipo de ausencia de miembros, total o parcial, de forma congénita o por accidente, vamos, mutilación.

Mi elección es la del batería de Def Leppard, Rick Allen, protagonista de una de estas historias que a mi, ferviente y fiel seguidor de la banda de Sheffield desde que los descubrí en el año 1981, me ha impactado y sorprendido sobremanera.

Allen entro a formar parte de unos primerizos Def Leppard a la temprana edad de 15 años, allá por 1978, reemplazando a un tal Frank Noon, batería original que solo grabo el primer y mítico EP de la banda llamado "Def Leppard EP" gracias al cual se encumbraron en lo mas alto del entonces recién nacido movimiento NWOBHM.

Ya con su primer trabajo "On Trough The Night", en el año 1980, la banda dejo claro que su intención era orientarse mas hacia el mercado americano que al europeo, lo cual se vio claramente en su sonido mas comercial y orientado mas al hard rock que al metal, lo cual les supuso graves diferencias con sus iniciales fans ingleses. Ese primer trabajo llamo la atención de un "tal" Robert John "Mutt" Lange, todopoderoso productor de AC/DC que accedió a producirles su segundo trabajo, "High ´n Dry" en 1981, que pese a tener menos ventas que su predecesor, tenia una canción, "Bringin´on the Heartbreak" cuyo video fue uno de los primeros en ser emitidos en la MTV y que le dio mucho reconocimiento en los States. Este álbum fue el que me engancho para siempre con esta banda, considerándolo un "imprescindible" dentro de los clásicos de los 80, el punto medio perfecto entre lo que eran unos AC/DC de la época y lo que posteriormente nos darían Def Leppard, convirtiéndose en una de las bandas punteras de la década.





Asi es como ya en enero del año 1983, después de cambiar a Pete Willis (Guitarrista), por problemas con el alcohol, por Phil Collen, hasta entonces guitarrista de la banda de Glam Rock, Girl, sacan al mercado su primer gran pelotazo comercial, el álbum "Pyromania"con el cual, desde su primer single "Photograph" comienzan a dominar el mercado estadounidense, llegando a vender 10 millones de copias de este álbum SOLO en los States.

Y en esta situación estaba la banda, en su punto mas álgido y deseado, cuando en la nochevieja de 1984, Rick Allen estaba conduciendo su Chevrolet Corvette dirigiéndose a cenar a su casa familiar de Sheffield cuando en un absurdo incidente (un pique en la carretera) con un Alfa Romeo, Rick pierde el control de su deportivo, vuela por encima de un muro, dando varias vueltas de campana, y llevando el cinturón de seguridad mal anclado, sale despedido del coche y pierde su brazo izquierdo como consecuencia del accidente. En un principio pudieron reimplantarselo, pero complicaciones posteriores, infecciones y demás provocaron que tuvieron que volver a quitárselo.
El mismo Joe Elliot, cantante de Def Leppard, se traslado esa misma noche al hospital, quedando profundamente impactado por el estado de shock en el que se encontró a Rick Allen.

La historia de este músico, que en circunstancias normales debería haber acabado con este fatal accidente, no hizo mas que comenzar de nuevo, dándonos una autentica lección de superación, por un lado y de compañerismo, por otro.

La historia de superación comenzo cuando acorto su periodo de recuperación y lejos de abandonar sus ganas de tocar la batería, su decisión fue la de seguir tocando con un solo brazo, inspirado y ayudado por el batería de Status Quo, Jeff Rich, con quien diseño un kit de batería con el que poder tocar. Esto, junto con la colaboración de la marca de barias electrónicas Simmons, hicieron posible el milagro.

La historia de compañerismo viene cuando el resto de la banda, lejos de dejarle de lado, y en pleno éxito comercial, pararon el tren hasta que Allen se recupero y pudo seguir tocando en la banda, sin ninguna tipo de merma comercial pues después aun vendrían pelotazos como el que dieron con su siguiente trabajo de 1987 "Hysteria" con mas de 20 millones de álbumes vendidos en todo el mundo, si bien, aunque no lo sabían, las desgracias no dejaran de cebarse con esta mítica banda, pero esa es otra historia.

PD. De regalo navideño este vídeo de Def Leppard con Taylor Swift, si esa "especie de petarda" para adolescentes, supuesta reinona del pop, pero que en este vídeo lo hace muy, pero que muy bien, que contoneos señores.

Por amor a la musica: Ronnie Milsap.

Turno de Pupilo dilatado, "Pupi" que desde su fantástico rincón nos invita esta semana a los participantes de PAALM a hablar sobre músicos con ceguera total o parcial, dentro  de ésta difícil ronda sobre discapacitados varios.

Tal y como ha hecho el capo semanal, yo me decantado por alguien desconocido, hasta ahora, para mi, dejando de lado las opciones mas obvias y previsibles. Mi elección es la del músico de country-pop-soul, Ronnie Milsap.

Milsap es una leyenda del country en EE.UU., gracias a sus trabajos publicados en la década de los 70´s y 80´s, sobretodo, pero su carrera musical es mucho mas amplia que lo que nos pueda parecer.

Nacio en Robbinsville. Carolina del norte, un 16 de Enero de 1943 y destaco en las décadas mencionadas anteriormente por ser el primer artista country en fusionar este estilo con el pop, R&B y rock.

Sufrió de ceguera parcial desde su nacimiento, abandonado por su madre a los 5 años, fue criado por sus abuelos en la misma Carolina del norte. Durante su juventud perdido la poca vista que le quedaba a la vez que se incrementaba su interés por la música, viéndose altamente influenciado por artistas como Ray Charles, Little Richard, Jerry Lee Lewis y Elvis Presley. Ademas de interés, ya descubrieron sus profesores, que era un virtuoso de la música. Esto le llevo a principios de los 60 a formar parte de la banda del mismo J.J. Cale. esto fue el inicio de una primera época musical en la que ademas de realizar diversos singles, colaboro con artistas de la talla de Ray Charles, Stevie Wonder, Ashford&Simpson y James Brown, siempre en un segundo plano, siendo esta la "época oscura"  de R&B de un Milsap que siempre estaba en la sombra de otros.
Su carrera en solitario empezó en 1971, con un álbum llamado como el "Ronnie Milsap". Poco después se instalo en Nashville donde consigue impresionar al mismo Charley Pride y empiezo a trabajar con su  mismo manager, Jack D. Johnson, el cual le consigue un contrato con RCA Records en 1973, dando comienzo a su impresionante carrera como músico country.
Una muestra de sus inicios es este "Pure love", escrita con Eddie Rabbit, asi como su primer gran éxito, "Please don´t tell me how the story ends" con composición de Kriss Kristofferson, con la que gano su primer Grammy.





Así es como durante la segunda parte de los 70´s Milsap se convierte en una autentica estrella del country, así hasta los años 80, cuando da un giro camaleonico a su carrera, adaptándose a la moda del pop y AOR que empezaba a imperar y es el primer músico country en mezclar dichos estilos, arrasando en las listas con temas como ...




Entre los años 1985 y 1987 Milsap encadeno una serie de éxitos tales como "She keeps the home aires burning", "In love","Snap your fingers" o el dueto con Kenny Rogers "Make no mistake, she is mine" por el cual se llevo otro grammy.




Y así hasta su ultimo gran éxito, en 1992, "All is fair in love and war" junto a la guitarra de Mark Knofler. a partir de aquí la estrella de Milsap se fue apagando, dejando paso a una nueva generación de músicos country.



Milpap siguió haciendo música, perdiendo protagonismo popular pero siendo siempre reconocido y homenajeado por el mundo de la música americana.

Por amor a la musica: Nelson Ned "El pequeño gigante de la cancion"

Nueva ronda PAALM en la que el Master Forrest le da una revuelta un poco "jodidilla" al juego con su propuesta, no solo de esta semana , sino también de las venideras en los que los demás participantes pondremos sobre el tapete nuestra correspondientes propuestas. Toca hablar de músicos con algún tipo de discapacidad y el empieza con la poca estatura o enanismo.

Mi primera opción iba a ser Chick Webb, pero me he dado cuenta antes de empezar que Vinny se me ha adelantado, así que he cambiado de propuesta y este cambio me ha llevado a descubrir la figura de Nelson Ned D'avila Pinto, cantante brasileño de música latina, melódica, mas concretamente de boleros, baladas y música cristiana.

Nació en Una, Brasil, un dos de marzo de 1947 y falleció este mismo año, 2014, el cinco de enero.

Nació con el tamaño de un bebe normal pero con una condición llamada displacía espondilo-epifisiaria, lo que comúnmente llamamos enanismo. Solo llego a medir 1,12 m. de estatura.

Ya a los catorce años se empezó a presentar a los diversos programas de canto de la época en brasil, alcanzando cierta notoriedad. No realizo su primera aparición televisiva hasta los 14 años.

Ya en la década de los 60, gracias a sus interpretaciones y producciones (escribió canciones a gente como Moacir Franco, Ismael Miranda y Matt Monroe) se convirtió en todo un fenómeno, llenando estadios y teatros. Se presento en varios certámenes de la época como festivales de la canción iberoamericana y similares.

En los 70 su fama fue aumentando, llegando a ser conocido en los mismos EE.UU. donde fue el primer artista de América latina en llegar a vender un millón de discos, alcanzando su auge con la canción "Happy Birthday, my darling".

En 1993 se convirtio al cristianismo, dando un giro radical a la temática de su música, centrándose mas en la música cristiana, gospel, canciones espirituales que expresaban su fe cristiana.

Se retiró de la canción habiendo llegado a vender 50 millones de discos en todo el mundo, ganando abundantes discos de oro y platino y una discográfica de 38 álbumes, que le hicieron digno de llamarse "el pequeño gigante de la canción". 

Por amor a la musica: Jeff Martin

Ultima ronda de este turno de PAALM en la que Carlos desde su "Motel Bourbon" le da un giro a la clave alrededor a la cual teníamos que hacer nuestro post semanal. Propone hablar de un músico que haya tocado dos instrumentos diferentes en desbandas distintas de distintos estilos. Mucho "distinto", pero bueno, no parece haber nada imposible para esta banda de locos melomanos.

Siendo rápidos y concretos, mi propuesta es la de un "desconocido" músico norteamericano llamado Jeff Martin, del cual yo pensaba que habría mas datos de su biografía pero no, no es así.

Quizas alguno de vosotros os suene de algo cuando nombre mis dos grupos, que si bien no son completamente antagónicos entre si, si espero que sean lo suficientemente distintos como para que sea valido mi post.

El primer grupo elegido por mi es Racer X, supergrupo nacido en el año 1984 de la mano de Paul Gilbert (Mr. Big) y bajo el auspicio del entonces todopoderoso Mike Varney, dueño de Shrapnel récords, mentor de toda una generación de alucinantes guitarristas americanos como Yngwy Malmsteen, vinnie Moore, Tony Mcalpine, Eric Gales, Jason Becker, Marty Friedman y/o el propio Gilbert.

El estilo de este grupo es una mezcla de Heavy metal y Speed metal lleno de virtuosismo, aspecto que se hace notar en cuanto ves quienes componen este grupo. En mi álbum elegido, "Superheroes", que es el cuarto álbum, del año 2001, la banda la componen:

• Paul Gilbert: Guitarra
• John Alderete: Bajo
• Scott Travis: Bateria
• Jeff Martin: Voces

Ademas de la colaboración, tanto a la guitarra como en las mezclas de otro genio de las seis cuerdas llamado Bruce Bouillet, antiguo miembro de la banda.

La otra banda elegida es Badlands, la fenomenal banda de principios de los 90 creada por el ex-guitarrista de Ozzy Osbourne, Jake E. Lee, donde Jeff Martin, en el segundo álbum llamado Voodoo Highway, toca la batería, sustituyendo a Eric Singer.

Voodoo Highway es un magnifico trabajo, puro blues rock, 100% "seventees", una de las joyas de esa época. Jeff Martin entro en Badlands por amistad con el bajista Gregg Chaisson con quien toco en sus inicios en la banda Surgical Steel. Lastima que esta banda no fue a mas por encontronazos entre sus dos súper-egos, Jake E. Lee y el inolvidable Ray Gillen, mítico vocalista.

Por amor a la musica: Ritchie Blackmore.

Turno de Vinny en PAALM y nos propone como instrumento clave la guitarra, así pues tenemos que elegir guitarrista que haya tocado en dos grupos de estilos antagónicos. Tras pensármelo un poco y estar a punto de coincidir en mi elección con el master Forrest-Tsi, he preferido ir a lo seguro, dentro de mis posibilidades, y elegir a un tal Ritchie Blackmore.
A la hora de explicar los dos grupos de estilos antagónicos en los que ha desarrollado sus habilidades mi querido Ritchie Blackmore me voy a tomar la licencia de utilizar dos antiguos post míos en los que se matizan como es cada uno de estos trabajos de forma mas extensa y detallada.

Hablar o comentar algo sobre Blackmore es, por un lado, fácil porque es un personaje altamente conocido por cualquiera que se acerque por este rincón de la blogosfera, y por otro lado complicado, pues poco o nada se puede añadir a lo que ya todos sabemos.

La carrera de Ritchie Blackmore se ha desarrollado "solo" en cuatro grupos, The Outlaws, Deep Purple, Rainbow y Blackmore´s Night.

En Deep Purple se convirtio en la leyenda que es hoy en día, poniendo las bases de lo que mas tarde seria llamado Heavy Metal siempre dentro de una convivencia convulsa con sus compañeros de grupo, considerados por mi tan o mas genios musicales que el propio Blackmore.

Después formo y moldeo esa gran banda llamada Rainbow a su antojo, se rodeo de grandes músicos que supieron o pudieron mostrar toda esa magia y virtuosismo que el gran guitarrista llevaba dentro. El siempre hizo la música que le daba la gana y hacia y deshacía grupo y cambiaba de estilos musicales siempre en base a sus caprichos de genio.

Sorprendió a todos orientando Rainbow hacia el AOR Americano después de bombazos como "Rising" O "Long Live R&R", rompiendo una de las mas grandes bandas de heavy Metal o Hard rock que hallamos podido disfrutar, se hecho encima a un buen número de fans que no lo entendieron, pero eso a el le daba igual pues siempre buscaba satisfacer sus exigencias creativas, crear la música que le venia en gana.

Volvió con Purple en los 80, hizo grandes trabajos, pero las tensiones internas en el grupo no desaparecían y después de una intentona de volver a formar Rainbow dio un giro a su carrera allá en el año 1995 que dejo KO a toda la comunidad rockera de la época, sumida en la gran depresión de la era grunge. Este giro le llevo hacia un mundo musical "folk renacentista medieval" arrastrado por su amor hacia la figura de una rubia llamada Candice Night, una de las rubias mas odiadas de las ultimas dos décadas por este que escribe (Y es difícil que odie a una rubia, os lo aseguro).

Desde entonces tenemos a una de las figuras clave de la historia de la música rock perdida en este mundo de bandurrias, violines, leotardos de colores y panderetas, mientras toda su leyenda y su legado en la música rock se va difuminando, permaneciendo solo en las estanterías de cuatro nostálgicos de los 70-80´s que ven pasar los años, ven caer grandes figuras de la música y siguen teniendo falsas esperanzas de un regreso por la puerta grande de este "Mago del arco iris"

Por si alguien no tiene ni idea de todo esto de lo que estoy hablando aquí os pongo un enlace a una de mis elecciones, El "Live in Munich" de Rainbow, clara muestra del Blackmore que me atrapo para siempre y otro enlace en el que explico su relación con Candice Night.

Y como muestra de mis palabras:

Por amor a la musica: David Rosenthal.

Siguen corriendo las rondas de PAALM en este su turno, Bernardo, desde "Mi Tocadiscos Dual" nos propone organistas que hayan tocado en grupos antagónicos entre si, deleitándonos con la historia de Peter Bardens, componente de Camel.

Mi elección para esta ronda es la del teclista, productor y letrita, David Rosenthal.

Rosenthal, desde que se graduó en la afamada Berklee College of Music de Boston ha sido muy demandado por su exquisita técnica, precisión, creatividad y capacidad de orquestación por artistas muy de muy distintos ámbitos musicales.
Asi se puede decir que ha trabajado con artistas tan dispares como Billy Joel, Bruce Springsteen, Elton John, Enrique Iglesias, Robert Palmer, Steve Vai, Yngwie Malmsteen, Dream Theatre, Cindy Lauper y Little Steven, por ejemplo, siendo especialmente reconocido por su trabajo con la banda de rock progresivo "Happy The Man" donde da rienda suelta a su capacidad compositiva y de producción.

Además ha participado en varias obras de Broadway con sus programaciones de sintetizadores, como en la obra "Historia de dos ciudades" y en diversos programas televisivos estadounidenses de fama mundial junto a David Letterman, Jay Lenon, Conan O´brian o Ellen DeGeneres.

Los dos grupos de los que ha sido miembro Rosenthal y que se pueden considerar antagónicos entre si, son, por un lado, Rainbow, junto al gran genio de la guitarra Ritchie Blackmore y por otro, la banda de Billy Joel, en la que esta desde mediados de los 90, encargándose de todo los temas relacionados con los teclados, piano, órgano y dirección musical.

David es el segundo de la izquierda.

De Rainbow he elegido la que fue su despedida de la época dorada de los 80, el mejor trabajo de su carrera y el que mas desapercibido paso, probablemente, el álbum de 1984 "Bent out of shape". Este fue el segundo álbum en el que participo Rosenthal junto a Rainbow, el primero fue "Straight Between The Eyes", banda a la que llego en 1982 a sustituir nada mas y nada menos a Don Airey, siendo la primera gran banda en la que tocaba con tan solo 19 años y encandilando al raro de Ritchie ademas de al grueso de fans de la banda. El sonido de Rosenthal fue clave en el nuevo giro, mas orientado hacia el AOR que le dio Blackmore a Rainbow durante estos años, y clara muestra es el bestial trabajo a los teclados en "Bent out of shape". ¿Quereis disfrutarlo?

Y de su primera gran banda pasamos sino a la ultima, si a aquella en la cual mas tiempo ha desarrollado sus labores y mayores reconocimientos ha recibido, que no es otra que la banda del gran Billy Joel, banda a la que pertenece desde mediados de los 90. Curiosamente Billy Joel se retiro, o mas bien dejo de sacar nuevos trabajos, en 1993, dedicando su carrera musical desde entonces a hacer giras de grandes éxitos y a reeditar antiguos trabajos con la inestimable ayuda de Rosenthal, figura mas que destacada tanto a nivel de giras como de reedición de álbumes clásicos desde su faceta de productos. Mi trabajo elegido de Billy Joel es "12 Gardens Live" del año 2006, que recoge grabaciones realizadas a lo largo de una serie de conciertos en el Madison Square Garden de NY a finales de 2005. Este álbum es considerado por la critica como el mejor trabajo de Joel en los últimos 20 años,lleno de fuerza y de genio por el cantante, toda una sorpresa vamos.