Por amor a la musica: Nelson Ned "El pequeño gigante de la cancion"

Nueva ronda PAALM en la que el Master Forrest le da una revuelta un poco "jodidilla" al juego con su propuesta, no solo de esta semana , sino también de las venideras en los que los demás participantes pondremos sobre el tapete nuestra correspondientes propuestas. Toca hablar de músicos con algún tipo de discapacidad y el empieza con la poca estatura o enanismo.

Mi primera opción iba a ser Chick Webb, pero me he dado cuenta antes de empezar que Vinny se me ha adelantado, así que he cambiado de propuesta y este cambio me ha llevado a descubrir la figura de Nelson Ned D'avila Pinto, cantante brasileño de música latina, melódica, mas concretamente de boleros, baladas y música cristiana.

Nació en Una, Brasil, un dos de marzo de 1947 y falleció este mismo año, 2014, el cinco de enero.

Nació con el tamaño de un bebe normal pero con una condición llamada displacía espondilo-epifisiaria, lo que comúnmente llamamos enanismo. Solo llego a medir 1,12 m. de estatura.

Ya a los catorce años se empezó a presentar a los diversos programas de canto de la época en brasil, alcanzando cierta notoriedad. No realizo su primera aparición televisiva hasta los 14 años.

Ya en la década de los 60, gracias a sus interpretaciones y producciones (escribió canciones a gente como Moacir Franco, Ismael Miranda y Matt Monroe) se convirtió en todo un fenómeno, llenando estadios y teatros. Se presento en varios certámenes de la época como festivales de la canción iberoamericana y similares.

En los 70 su fama fue aumentando, llegando a ser conocido en los mismos EE.UU. donde fue el primer artista de América latina en llegar a vender un millón de discos, alcanzando su auge con la canción "Happy Birthday, my darling".

En 1993 se convirtio al cristianismo, dando un giro radical a la temática de su música, centrándose mas en la música cristiana, gospel, canciones espirituales que expresaban su fe cristiana.

Se retiró de la canción habiendo llegado a vender 50 millones de discos en todo el mundo, ganando abundantes discos de oro y platino y una discográfica de 38 álbumes, que le hicieron digno de llamarse "el pequeño gigante de la canción". 

Por Amor a La Musica: Los hermanos Porcaro. Toto (1978)

Y llego mi turno en PAALM, esta vez con una semana de antelación por el descanso temporal de Vinny, cuya participación echaremos en falta, sin duda.

La temática a tratar es la de los hermanos que hayan tocado juntos, preferiblemente no muy famosos, cosa que hace mas interesante esta ronda, y comentar un álbum en el que participen.

Mi elección es la de los hermanos Porcaro, Jeff, Steve y Mike. Musicalmente el nexo de unión de estos tres hermanos es la banda Toto.

Sus grandes conocimientos musicales les vienen de familia pues su padre era el batería y percusionista de jazz Joe Porcaro.

Jeff Porcaro es el mayor de los tres hermanos, nació en Connecticut, Estados Unidos un 1 de Abril de 1954. Ya a los 17 años estaba tocando con Sonny and Cher para después realizar varias grabaciones con Steely Dan y Boz Scaggs y en 1978 ser fundador de la banda Toto. ya desde esos inicios despuntaba como un gran batería llegando a ser considerado, con el paso de los años, uno de los baterías mas importantes de la historia del rock. De él sorprendieron muchas cosas, sobretodo su madurez musical. Aplicar los ritmos que aplicaba a sus canciones y en aquella época era algo increíble sobretodo teniendo en cuenta su corta edad. A decir de los entendidos en batería el Shuffle que imprime a su batería en la canción "Rossana" de su álbum "IV" es sencillamente impecable, toda una lección de batería.

Jeff Porcaro

Además de gran batería también fue un reconocido compositor, letrista y productor. Su lista de colaboraciones es sencillamente impresionante, nombres como Paul McCartney, Dire Straits, Donald Fagen, George Benson, Lee Ritenour, Christopher Cross, Barbara Streisand, Peter Criss, Tommy Bolin, Leo Sayer, Pink Floyd, Chicago, Bee Gees, Eric Clapton, Madonna y un sinfín mas de nombres de primerísima fila contaron con sus servicios como músico de sesión y su única forma de tocar la bateáis, que según comentaron en la prensa especializada, cambio y definió la forma de tocarla desde los 80´s en adelante.

Jeff Porcaro sufrió un mortal e inesperado ataque al corazón el 5 de agosto de 1992 a la edad de 38 años. Un plaguicida que usaba en el patio de su casa provocó una reacción alérgica que desencadenó el ataque. Una necropsia reveló una grave dolencia cardíaca que no había sido previamente diagnosticada.

Steve Porcaro nació un 2 de septiembre de 1957, también en Connecticut, es el menor de los tres hermanos pero después de Jeff es el mas conocido musicalmente. Es teclista, compositor y miembro fundador de Toto, banda en la que permaneció hasta 1986 para después dedicarse a colaborar con grupos del calibre de Yes, Jefferson Airplane y Chris Squire entre otros. Además de sus composiciones para Toto destaco su canción "Human Nature" que hizo para Michael Jackson en "Thriller"

A partir de 2010 realiza colaboraciones continuas con Toto a raíz de una gira que se realizo en apoyo de su hermano Mike.

Ademas destaca actualmente grabando temas para películas y series de televisión como "Justified".

Steve Porcaro

Mike Porcaro es bajista y compositor, el hermano de "en medio" de los Porcaro, nacido en un 29 de Mayo de 1955. Fue bajista de sesión en los primeros álbumes de Toto, para pasar a ser miembro oficial de la banda a partir de la gira del álbum "IV". Uno de los motivos por lo que no fue miembro oficial de la banda desde el inicio fue que la compañía discográfica Columbia "vendió" a los Toto como la banda que respaldo a Bozz Scaggs en su exitoso álbum "Silk Degrees" y Mike no estaba ahí, toco el bajo David Hungate, con lo que tuvo que estar esos años en un segundo plano, en fin, cosas de las discográficas.
Permanecio en Toto hasta que en 2007 le diagnosticaron ELA (Esclerosis Lateral Amiotrofica).

Mike Porcaro

Musicalmente nos encontramos ante otro virtuoso, no tan aclamado como sus dos hermanos, pero con gran influencia en futuras generaciones de bajistas.

Centrandome en el juego el resto de participantes tenéis que comentar un álbum en el que hayan participado al menos dos de los tres hermanos Porcaro. No os centréis solo en la discográfia de Toto pues Toto además de ser una gran banda participaron como músicos de sesión de auténticos grandes de la música, lo cual abre el abanico de posibilidades, investigad un poco y sorprendernos. Respecto al descarte, después de pensármelo mucho he optado por el álbum "Absolutely Live", el porque, la verdad que por ser un recopilatorio, tengo curiosidad por ver los post de mis compañeros de juego y por eso no quiero descartar otra grandes obras de estos músicos.

Mi elección es el álbum debut de la banda Toto, titulado con el mismo nombre del grupo.

Es curiosa la historia de como esta banda se llego a llamar Toto, eso lo contare un poco mas adelante.
El origen de la banda se fraguo entre Jeff Porcaro y David Paich, teclista e hijo del músico de sesión y arreglaste Marty Paich. Ambos se conocieron en la Grant High School formando la banda "Rural Still Life" y a partir de ahí coincidieron como músicos de sesión en muchas de las grandes obras de los 70. Inmediatamente propusieron como bajista a otro compañero de sesiones, David Hungate, a quien conocieron durante su colaboración con Boz Scaggs. Posteriormente contactan con el guitarra Steve Lukather y con el hermano de Jeff, Steve Porcaro, ambos compañeros de escuela que habían continuado el legado de la banda colegial "Rural Still Life". Solo faltaba un vocalista y enseguida incorporaron a sus filas a Bobby Kimball, vocalista de la banda S.S. Fools.

Comenzaron la grabación de su primer álbum en 1977 y nada mas y nada menos que con Columbia records. A lo largo de las sesiones de grabación, como el grupo no tenia nombre todavía, y debido a que en esos días habían visto la película "Mago de Oz", pusieron en las etiquetas de las cintas de grabación, con tal de distinguirlas del resto de grupos de los estudios, el nombre de Toto, que era así como se llamaba el perro de la protagonista de dicha película. Cuando llego el momento de dar nombre a la banda se decidió adoptar el que venia en dichas etiquetas de grabación, nombre, Toto, que gusta a todos menos al guitarra de la banda, Steve Lukather.

Este album se puede considerar como el debut deseado por cualquier banda, pues fue un éxito total. Consta de 10 maravillosos temas, 8 de los cuales están escritos por David Paich, figura principal de la banda, uno, "You Are The Flower" por Bobby Kimball y otro "Takin´it Back" por Steve Porcaro.

Su primer sencillo fue el ya un clásico. "Hold The Line", les aupo al numero 5 en los States, después sacaron como sencillos "I´ll Supply The Love" y "Georgy Porgy", con la colaboración de la cantante soul Cheryl Lynn, otras dos joyas que hicieron que este disco debut llegara al millón de copias vendidas.

Pero es que el resto del álbum no desmerece respecto a estos sencillos. canciones como "Manuela Run", "Rockmaker", "Taking Back""Girl Goodbye" y "Takin´it Back" son autenticas joyas.

Es curioso, no lo sabia hasta hacer este post que ademas del gran Bobby Kimball, también cantaban en distintos temas, Lukather, Steve Porcaro y Paich, todos con un registro vocal similar.

Este fue un inicio soñado para una banda que no tenia ni idea de la época dorada que se les venia encima con álbumes y colaboraciones al alcance de muy pocos músicos, fueron la banda que grabo "Thriller" de Michael Jackson. Sin lugar a dudas la música pop y rock que se hizo a partir y durante los 80´s tienen mucho que agradecer a esta banda de genios de la música.

Por amor a la música: Motorpsycho y Mathias Eick "X-3 (Knucleheads in space)/The Getaway Special" (2010)

Nueva ronda propuesta por Forrest en el juego "Por amor a la música" y la verdad que, si bien al principio me acojoné un poco, ahora, después de un par de horas de búsqueda de inspiración para hacer la entrada o post correspondiente, estoy entusiasmado, principalmente por el descubrimiento al que me ha llevado este juego.

Motorpsycho

El descubrimiento al que me refiero es el grupo noruego Motorpsycho y su tema "X-3 (Knucleheads in space)/The Getaway Special", segundo corte de su magnifico trabajo llamado "Heavy Metal Fruit" del año 2010.

La clave de esta ronda es un instrumento (la trompeta en este caso) tocada por un músico de jazz en colaboración de grupos o solistas de pop-rock. Vamos, resumiendo, temas o discos enteros donde colaboren trompetistas de Jazz con grupos de pop-rock.

El grupo ya lo he nombrado, Motorpsycho, y el trompetista de Jazz que colabora con ellos es, el también noruego, Mathias Eick.

Mathias Eick

Efectivamente, no es ninguno de esos dinosaurios del Jazz que son los primeros que me han venido a mi mente a la hora de hacer este post, Gillespie, Chet Baker, Louis Amstrong, Wynton Marsalis y demás. Este es un  músico actual, nacido en Junio del año 1979 en Furnes (Hedmark), Noruega, que en 2007 gano el "International Jazz Talent" siendo premiado por la organización internacional de festivales de Jazz de NY. Para su segundo trabajo ya había fichado por el prestigioso sello de Jazz ECM. Entre otros, tiene grandes colaboraciones con estrellas consagradas del Jazz como Chick Corea y Pat Metheny, pero lo que mas ha llamado mi atención es que ademas ha colaborado con bandas noruegas de rock como Turbonegro, Dum Dum Boys, D´sound, Bigband y los Motorpycho y esto es lo que a mi realmente me interesa y me pone loco de entusiasmo.

El grupo con los que colabora es, como he dicho anteriormente, Motorpsycho, banda noruega con un largo historial a sus espaldas pues llevan en activo desde 1989 y tienen 15 álbumes en su haber.
El tema elegido esta en su decimocuarto trabajo "Heavy Metal Fruit"un espléndido trabajo de lo mas variado, una perfecta mezcla de hard rock setentero, de psicodélia, de música sinfónica, de ese "space rock" de los 70´s. No es un álbum al uso, tiene la estructura de aquellos trabajos de los Pink Floyd de los 70, pero mas accesible, al menos para mi.

El álbum, en su conjunto es una autentica maravilla, pero yo quiero destacar el corte elegido para esta entrada. Consta de dos partes, una que dura hasta los 5´:03´´, garajero total, Rock&Roll frenético, High Energy total, al estilo de un montón de bandas salidas de esas tierras del norte, Hellacopters, Gluecifer y demás, donde la trompeta de Eick apenas se percibe entre las guitarras, teclados y esa base rítmica al mas puro estilo Purple (con Glenn Hughes, of course) y la otra que nos lleva a un universo mas funky, mas jazz, donde la trompeta de Thomas Eick lleva todo el protagonismo junto a la guitarra de Hans Magnus Ryan, guitarrista de Motorpsycho. La base rítmica tan impresionante como la primera parte, una maravilla, un lujo sonoro, al bajo y voz tenemos a Bent Saeter y la batería a Kenneth Kapstad.
El resto del álbum mantiene la misma calidad que este tema, increíble descubrimiento, altamente recomendable.
 

Por amor a la música: Ozzy Osbourne "No Rest For The Wicked" (1988)

Llego mi turno en "Por amor a la música" y con la clave en esta ronda de proponer un músico productor o productor-músico. Esta clave, a priori, puede parecer sencilla, pero de eso nada colegas. Mi experiencia personal en esta ronda la podría definir como apabullante, por un lado y enriquecedora por otro. Apabullante, pues descubres que por mucho que creas saber sobre historias de la música rock siempre es mas, mucho mas lo que no conoces. Y enriquecedora porque en cierto modo te obliga a escuchar músicas nuevas, desconocidas así como conocer datos de la vida y obras de personajes influyentes y desconocidos, hasta el momento, de la historia de la música rock.

Dejandome de rollos voy directo a mi propuesta de esta semana y no es otro que el afamado productor Keith Olsen, productor con un pasado como músico que detallare mas adelante.

Keith Olsen es uno de los productores musicales mas prolíficos y con mayores éxitos en su haber de la segunda mitad del siglo XX. Las cifras apabullan, la verdad, cerca de 200 producciones llevan su nombre, mas de 110 millones de trabajos vendidos, 45 discos de oro o platino y seis premios Grammy, ahí es nada. Nació en Sioux Falls, Dakota del Sur para mas tarde ir con su familia a vivir a Wayzata, Minneapolis. Desde muy temprana edad ya mostró interés por todo tipo de estilos musicales, desde música clásica a todo los géneros que se daban por entonces, pop, rock, jazz. desde jovencito empezó a tocar el bajo y adquirir conocimientos básicos de como realizar grabaciones con diversas bandas locales de Minneapolis.

Pero su introducción real dentro del arte de la producción vino cuando conoce, a finales de la década de los 60, a Curt Boettcher, uno de los padres del sonido pop y psicodélico de mediados de los 60 en los States. Fue el mismo Boettcher quien le puso en contacto, posteriormente con el gran Brian Wilson, de los Beach Boys, introduciendole en el ambiente musical de L.A. A pesar de que entonces esta tocando el bajo en la banda "The Music Machine" y estaban disfrutando de su mayor éxito con el single "Talk Talk" el tenia claro claro que lo suyo era la producción y que se quería dedicar a ello. Keith Olsen toco con la banda "The Music Machine" entre los años 1965 y 1967 y su estilo se podía considerar como garaje/rock/psicodelico.



Olsen obtuvo un trabajo como ingeniero de sonido en los míticos Sound City de los Angeles (si, los del magnifico documental de Dave Grohl "Reel to Reel") donde pudo empezar a desarrollar todas sus ideas y conocimientos musicales. Asi es como trabaja con varias bandas de lo L.A. entre ellas una banda llamada Fritz, de la cual, como consecuencia de su disolución, en 1971, surgió un dúo compuesto por Lindsey Buckingham y Stevie Nicks, con los cuales grabo una demos que mas tarde les ayudo a fichar por Polydor. estamos en 1973 y Olsen les produjo su primer trabajo, el disco se llamaba como el grupo "Buckingham Nicks" y fue un gran éxito en los ambientes underground de Los Angeles, si bien, la compañía Polydor maltrato este trabajo, no dándole relevancia alguna.

Stevie Nicks, increible

Olsen comenzaba ha hacerse un nombre en los ambientes musicales de L.A. y así es como toma contacto con Mick Fleetwood, batería de Fleetwood Mac, que en 1974 estaba preparando su nuevo disco en los estudios Sound City y encima estaban buscando guitarrista. Mick Fleetwood quedo prendado de la guitarra de Lindsey Buckingham, escuchando una grabación del tema "Frozen Love". Las circunstancias de como Buckingham y Nicks acabaron en Fleetwood Mac se explican de maravilla en el documental antes citado de Dave Grohl "Reel To Reel". El productor de ese nuevo disco de Fleetwood Mac llamado como el mismo grupo "Fleetwood Mac" fue el propio Keith Olsen y el resultado fue uno de los mayores éxitos de la historia de la música rock, poniendo de paso a Keith Olsen en un altar musical y dando comienzo a un a carrera espectacular que le hizo estar en la cumbre durante las décadas de los 70´s, 80´s y 90´s.

A lo largo de estos mas de 30 años ha colaborado con artistas como Grateful Dead, Bob Weir, Eddie Money, EL&P, Rick Springfield, REO Speedwagon, Pat Benatar,Heart, Santana, Jethro Tull, Scorpions, 38 Special, Sammy Hagar, Whitesnake, Foreigner, Journey y muchos mas, así como en varias BSO de películas como Footloose, Flashdance, Tron y Top Gun.

Hacia finales de los 90 dejo un poco de lado, sin abandonarla, su faceta como productor dedicándose mas a la investigación e ingeniería de los sonidos, algo a lo que se dedico durante toda su vida de forma paralela a la de productor, así como a la publicidad. Sin duda se puede considerar a Keith Olsen como uno de los artífices del llamado sonido americano de los 70´s y 80´s, un sonido a veces denostado por determinada critica purista pero de amplia aceptación entre los aficionados de esas décadas, de hecho era la música de mayores éxitos tanto en listas como en ventas.

Y mi elección relacionada con Keith Olsen no es otra que el disco de Ozzy Osbourne "No Rest For The Wicked", disco publicado en 1988, producido por Keith Olsen junto con Roy Thomas Baker y que supuso el debut con el Madman del gran Zakk Wilde, uno de mis guitarristas favoritos desde que escuche las primeras notas de este gran y olvidado trabajo de Ozzy y cía.

Keith Olsen y Ozzy

Nos encontramos con un Ozzy, que en 1987 fue abandonado por Jake E. Lee por desavenencias musicales y a saber porque mas, después de dos trabajos de gran éxito comercial como fueron "Bark at the Moon" y "The Ultimate Sin" pero con criticas no muy favorables de los fans del madman que le reclamaban algo mas "Sabbath". En esas es como sorprende a todo el mundo anunciando la contratación a la guitarra de un autentico desconocido, un larguirucho rubio de 21 años que respondía al nombre de Zakk Wilde sin experiencia previa en bandas de renombre. El resto de la banda son Randy Castillo a la batería y el gran Bob Daisley, que regresaba con Ozzy, al bajo, vamos una base rítmica excelente. Además al incorporar a Daisley se apuntaba un tanto a nivel de compositivo como letrístico. Lastima que después de la grabación del disco no continuase con la banda siendo sustituido para la gira por el mismísimo Geezer Butler, bajista original de Black Sabbath.  Lo que hizo Daisley en los 80´s es de un mérito increíble, siempre participando desde la sombra en grandes éxitos de grupos como Rainbow, Gary Moore, Uriah Heep y algunos mas.

las canciones de este trabajo son:

Miracle man: Inicio arrollador donde desde un principio zakk wilde deja claro que pese a no tener experiencia con bandas de renombre, si madman le ha elegido para su banda es porque es un FUCKIN GUITAR HERO así, con mayúsculas, sucesiones de riffs, punteos vertiginosos me hicieron descubrir una nueva forma de tocar la guitarra, me encantaría tener conceptos musicales para poder nombrar de forma adecuada los efectos de este hombre que me hicieron volverme majara con su forma de tocar la guitarra. Como curiosidad destacar que esta canción esta dedicada, como una puya hiriente e irónica, a un teleevangelista llamado Jimmy Swaggart, critico con Ozzy y que fue pillado en un "turbio" asunto de prostitución.


Devil's daughter: Una de mis canciones favoritas de toda la discografía del madman, tema duro, directo, con un Wilde arrollador, vaya riff se nos marca y un solo frenético. Increíblemente para mi no se convirtió en un clásico de su discografía, pocos temas tiene tan potentes, la verdad.



Crazy babies: Se nota la mano de Daisley, es el tema más rockero de todo el disco. Coros femeninos y una forma guasona de cantarlo por parte de ozzy, bastante cachondo, la verdad.



Breaking all the rules: El tema más flojo del disco, no por ello es malo. El único tema que da la sensación de ser de relleno.



Bloodbath in paradise: Primero de los dos temas más "sabbath" que nos podemos encontrar en este trabajo. Perfecta ambientación e intro de teclados para dar paso a un riff brutal de wilde. Tema rápido y típico aire sabbath. Otra canción que no entiendo como es un clásico en la discografía de Ozzy.



Fire in the sky: Segundo de los temas "sabbath" a los que me refería anteriormente. Medio tiempo demasiado suavizado por la producción ochentera de olsen y cía. Estupendo tema de todas formas que ganaba muchísimo en directo.



Tattoed dancer: Increíble canción, rápida, dura que nos muestra a todo el grupo al máximo nivel. Ozzy cantando como nunca, Zakk desatado y la base rítmica una locomotora desbocada que nos llevan al punto álgido de este trabajo.



Demon alcohol: Otro tema rápido, donde Ozzy nos muestra que durante ciertos años si fue un buen cantante, Wilde sigue a lo suyo en este tema, completamente desatado, elaborando riffs vertiginosos y la base rítmica llevadores tanto a Ozzy como a Wilde en volandas.



Resumiendo, un trabajo muy bueno, de lo mejor de la discográfica del madman, pero injustamente olvidado, según mi criterio. La producción es exquisita, perfectamente realizada, combina la dureza de una banda como la de Ozzy con aquel sonido comercial de finales de los 80, dando protagonismo a u Ozzy en perfecto estado de forma y a un debutante, Zakk Wilde, tremendo a la guitarra, que acabaría por consagrarse definitivamente en el siguiente trabajo de Ozzy "No More Tears" y permanecería con Ozzy durante los próximos 22 años (ahí es nada) desarrollando de forma paralela una envidiable carrera en solitario y/o con Black Label Society, pero esa es otra historia amigos.

Por amor a la música: Deep Purple "In Concert With The London Symphony Orchestra" (1999)

Después de estas ultimas cuatro semanas de juego “Por amor a la música” intensas, frenéticas, llenas de soul, funk y disco, acompañados por voces increíbles de físicos perturbadores, me llega a mi el turno con el que se cierra este apasionante tema de las coristas.
 Me hubiera gustado dejarme llevar por mis instintos mas bajos y plantar los nombres de las coristas de Kid Rock, de los Lynyrd Skynyrd o de los mismísimos Motley Crue, pero a primera vista, su carrera musical no era muy variada y no quería poner en dificultades a mis compañeros de juego.
 Así que me deje llevar un poco por los recuerdos y ahí siempre he tenido un nombre de una corista que nunca se me ha ido de la cabeza, porque como el Guadiana, su nombre aparecía y desaparecía de entre los álbumes que he ido adquiriendo a lo largo de mi existencia.

Sam Brown

 Me estoy refiriendo a Samantha Brown, mas conocida como Sam Brown, inglesa, nacida un 7 de Octubre de 1964 en Strattford, Londres e hija de un músico de R&R llamado Joe Brown y la cantante Vicki Brown.
 Inicio su carrera musical de forma precoz, así la teníamos ya con 12 añitos haciendo coros en el disco “78 in the shade” de Small Faces y para los 20 años ya había cantado con Steve Marriot, Sade, Spandau Ballet y Barclay James Harvest.
 Ya en 1982 inicia notables cooperaciones musicales con genios de la talla de Jon Lord, que durarían hasta 2011. participa en trabajos de Adam Ant, Dexys Midnight Runners, Roger Chapman y los mismísimos The Firm.
 En 1988 lanzo su primer trabajo en solitario, “Stop¡” que fue un gran éxito de ventas en Reino unido y Australia, llegando a superar los dos millones de ventas. En su carrera en solitario llego a editar hasta seis trabajos mas, si bien ninguno llego a superar el primero.

 Como vemos tiene una amplia, rica y variada carrera musical en la que se pasea del pop al rock, blues, soul y gospel sin complejos y con calidad británica de la mas vieja y autentica escuela. A mi, personalmente, siempre me ha interesado mas su carrera como colaboradora solista o a los coros que su carrera en solitario.
 Esta carrera en solitario no impidió que siguiese con mas ilustres colaboraciones como las que tuvo con músicos de la talla de Roger Waters en 1987, con Jim Capaldi, David Gilmour, Gary Moore, Fish e incluso participa en “Division Bell” de Pink Floyd.

Sam Brown

 Ya en al primera década del siglo XXI la vemos en conciertos homenaje como David Gilmour Concert, en 2002, en “Concert for George”, colaboraciones con Nick Cave, Maria Mckee y Homespun, y también colabora en el trabajo al cual voy a dedicar este post que no es otro que “In Concert Whith The London Simphony Orchestra” de Deep Purple.
 Estamos en el año 1999 y se cumplen 30 años desde que Deep Purple realizara el “Concerto for group and orchestra” en el Royal Albert Hall de Londes. Se daba la circunstancia de que las partituras originales se habían perdido y Jon Lord, alma mater de este proyecto, quería reconstruirlas y así es como con la ayuda de Marc De Goeij, musicólogo, compositor y sobretodo fan de los Purple, se consiguió reconstruir esta maravilla. El concierto se realiza entre los días 25 y 26 de septiembre de 1999 en el Royal Albert Hall de Londres, esta vez bajo la batuta del director Paul Mann (originalmente 30 años atrás la batuta la llevaba el director Malcom Arnold). Otra diferencia respecto al concierto original es que en aquel tocaba la Royal Philarmonic Orchestra y en este trabajo toca la London Symphony Orchestra. Inicialmente se ideo como un DVD si bien posteriormente se publico en CD.
 Este trabajo es una delicia de principio a fin, tiene unos invitados especiales de lujo, Ronnie James Dio, la banda de Steve Morse (Dave La Rua, al bajo y la batería de Van Romaine) y Sam Brown, nuestra protagonista de hoy. Las canciones que componen este trabajo son una mezcla de los diversos trabajos en solitario de cada uno de los participantes, mas canciones de los propios Deep Purple y las composiciones sinfónicas compuestas por Jon Lord, citadas anteriormente.
 Así tenemos para empezar dos canciones de la carrera de Jon Lord en solitario, “Picture Within”, cantada por Miller Anderson y “Wait a While” esta compuesta por el gran genio Lord junto a Sam Brown y cantada magníficamente por ella misma. Ambas canciones forman parte de un ambicioso proyecto en solitario de Jon Lord, titulado precisamente “Picture Within” inspirado en la música clásica y con presencia de voces corales acompañando música sinfónica entre las que destaca tanto a nivel compositivo como con sus voces, Sam Brown.
  “Sitting in a Dream” y “Love is all” nos trasladan al primer trabajo en solitario del bajista de los Deep Purple, Roger Glover, “The Butterfly Ball and the Grasshoper´s Feast”, una grabación para niños (si, si, para niños) realmente deliciosa, con colaboraciones de autentico lujo, investigarlo, es todo un mundo en si mismo. Y uno de esos colaboradores es el que pone la voz a estas dos joyas antes mencionadas, el gran Ronnie James Dio, dos momentos increíbles, mágicos.
 Con “Vía Miami” nos llevan al álbum “Accidentally on Purpose”, del año 1988 realizado por Gillan&Glover, una rareza difícil de digerir para los clásicos fans de Purple pero que contiene esta pequeña joya, divertidisima.
 “That´s way God is singing the Blues” es una canción del álbum de Gillan “Dreamcatcher” de 1998, álbum infumable para mi que contiene este bonito blues, versión la de este disco que supera con creces la del álbum original.
 “Take it to the Top” Instrumental de la Steve Morse Band, que el guitarrista de los Purple toca con sus compañeros antes mencionados, joya instrumental muy, muy Morse.
 Acaba este primer CD (es doble, no lo había comentado, sorry) con los clásicos de los Purple “Wring That Neck” de su primera época psicodelica y su archiconocido “Pictures of Home”.
 El segundo CD arranca con las composiciones sinfónicas compuestas por el propio Jon Lord, tres amplias piezas las cuales no me siento capacitado para comentar, se escuchan y se disfrutan. La segunda parte de este Cd es mas Hard Rocker y mas contemporánea, incluye los últimos grandes éxitos de la banda “Ted The Mechanic”, "Watching The Sky” y la inconmensurable, mágica “Sometimes I Feel Like Screaming”, el ultimo gran clásico creado por la saga Purple, según mi criterio, claro. Como fin de fiesta, como no, “Smoke on The Water” cantada a duo entre Dio y Gillan junto con todos los participantes en esta delicatessen musical, soberbio.

Jon Lord

 Un aspecto, importante aspecto, del que no he hablado todavía es la presencia de la London Symphony Orchestra y como se encaja en este trabajo. Este no fue un disco mas de todos los que hubo en esta época, de aquellos refritos infumables que mezclaban música clásica con hard rock o metal. En este álbum la compenetración es perfecta, la parte sinfónica y la parte metálica de conjugan a la perfección, ambos forman un único acontecimiento musical, no son una mezcla son algo puro, forman un único cuerpo musical perfecto.
 Sin lugar a dudas este fue en todo momento el objetivo del alma mater de este proyecto, Jon Lord, figura alrededor de la cual se desarrolla este trabajo, y que empezaría a marcar su punto y final en la banda, que abandonaría el año 2003, tras la grabación del álbum “Abandon”.

Por amor a la música: "Mermaid Avenue" Billy Bragg & Wilco (1998)

 Animado e invitado por Pupilo dilatado, “Pupi”, me engancho a este mas que interesante juego que es “Por amor a la música”. La verdad que mi comienzo no va a ser sencillo.
Tal y como le comente a “Pupi” me engancharía en la siguiente propuesta que se haría y así lo voy hacer pese a que los grupos propuestos en este turno The Jawhawks y Wilco son unos auténticos desconocidos para mi, pero ahí radica una de los atractivos de este juego, conocer nueva música, nuevos grupos, nuevos trabajos, ampliar horizontes y enriquecernos musicalmente a la par que lo compartimos en la red.
Así que me puse en marcha e investigando un poco estos dos grupos hubo un detalle que me llamo la atención y es ese “detalle”al que le voy a dedicar esta entrada.
Enredando en la biografía de Wilco me llamo la atención una colaboración que tuvieron con Billy Bragg en 1998 y que editaron bajo el nombre de “Mermaid Avenue”. Billy Bragg … Hacia años que no tenia referencias de este personaje, desde los finales de los 80 y principios de los 90 en los que amistades mías me ponían discos suyos y me comentaban que era el poeta izquierdista del pop-rock británico.

Woody Goothrie

 Centrándome ya en el álbum elegido “Mermaid Avenue” como he dicho anteriormente, se publico en el año 1998 y nace como consecuencia de un proyecto organizado por la hija del cantante de folk americano Woodie Goothrie, Nora Guthrie, que puso a disposición de Billy Bragg letras ineditas de su padre escritas entre loa años 1939 y 1967 con el fin de que les pusiese la música. Una vez se dio este primer paso es el mismo Billy Bragg el que entra en contacto con el grupo Wilco para que colaboren en este proyecto, Wilco aceptan y graban en Irlanda, dándole un toque nuevo y contemporáneo a las letras de Woodie Goothrie.
Este proyecto tan arriesgado y extraño resulto ser un éxito tanto para la critica como para el publico aficionado al pop, country y folk de la época, llegando a ser nominado a los Grammys como mejor álbum de folk contemporáneo y obteniendo el cuarto lugar en la clasificación de las listas editadas por Pazz & Jop.
El álbum fue producido por los mismos Wilco, Bragg y por Grant Showbiz Este trabajo tuvo su continuación con un segundo volumen, editado en el año 2000 y su posterior reagrupamiento en un mismo trabajo de todas las sesiones, en el año 2012 que incluyen un dvd con imágenes de las grabaciones.
El álbum lo componen 15 temas, una interesante mezcla de country “made in Wilco”( que grande es “California Stars”), con el pop folk con matices punk de Billy Bragg, “Way over yunder in the minor key”, “Hoodoo voodoo” y la sensualmente cantada por Natalie Merchant “Birds and ships” son mis favoritas, interesante descubrimiento , sin duda.
De regalo os dejo una interesante critica, no solo de este trabajo, sino de las sesiones completas en el siguiente enlace.
En lo que respecta a este apasionante juego que es “Por amor a la música” ya me iréis diciendo los participantes como va esto de los turnos para estar preparado y hacer mi propuesta cuando me corresponda.

Age of Pamparius-TURBONEGRO

¡¡¡UHOO UHOO UHOOOOOOOOOO!!!

From the ashes of this golden age of confusion,
the denim recruits came to me
known as the apocalypse dudes

So you think you had an Opera
well not like this
So you think you had a Napoli
well not like this
So you think you had a decent pizza
well not like this
So you think you had a real good pizza
well not like this

You got nothing to lose at Pamparius
gonna wear them happy shoes tonight
You got nothing to lose at Pamparius
gonna bake a motherfucking pizza tonight

So you think you had a pepperoni
well not like this
So you think you had a calzone
well not like this
So you thought you could make your own
well not like this
So you thought you could take it home
well not like this

You got nothing to lose at Pamparius
gonna wear them happy shoes tonight
You got nothing to lose at Pamparius
Gonna bake a motherfucking pizza tonight

Clock strikes twelve

Apocalipse dudes got nothing to lose
gonna stomp some teenage ass tonight
Apocalipse dudes got nothing to lose
gonna bake some motherfucking magic
tonight