martes, 31 de diciembre de 2013

MIS mejores álbumes del 2013



Ultimo día del año 2013, momento de hacer balance de todo lo ocurrido en los últimos doce meses, tanto de lo bueno como de lo malo … ¿lo malo? a lo malo que le den por donde la espalda pierde su nombre, mejor quedemonos con lo bueno, que es lo que cuenta.
Nunca he publicado una lista de "lo mejor de…" y el caso que este año llevaba tiempo elaborando una escueta lista de los mejores álbumes de este año que ya se nos va, escueta porque me veo incapaz de hacer una lista de 10 o 20 álbumes, ¡¡¡Bufff!!! no escucho tanta música contemporánea.
He esperado hasta el ultimo momento porque me he puesto al día con varios álbumes que, o los he descubierto a ultima hora o los tenia escondidos por ahí sin escucharlos, y la verdad que la sorpresa ha sido mayúscula con los dos primeros de mi lista, pero dejemonos de rollos y vayamos al tajo:

6- Motorhead "Aftershock"

De todos los grandes grupos clásicos que han publicado trabajo este año, sin lugar a dudas los grandes vencedores han sido Motorhead. Nos ofrecen justo lo que se les pide, ROCK puro, directo, nada de producciones que estropean algo tan básico y puro como es el R&R que Lemmy y cía. nos llevan ofreciendo desde hace casi 30 años. "Crying shame" y "Keep Your Powder Dry"son un par de bombazos, candidatos a temas del año. El resto es una orgía de R&R y blues (si, habéis leído bien, Blues). Todo esto acompañado del "susto" que nos dio el bueno de Lemmy hacen que para mi, Motorhead estén en esta lista.



5- Seasick Steve "Hubcap Music"

No conocía a este personaje (si no lo conocéis leer su historia, me encanta), solo lo vi fugazmente en un programa de "Top Gear" sin saber quien era. A raíz de una entrada de alguno de mis blogs habituales de lectura (Sorry, no recuerdo en cual), entre en su música y me dejo flipado, ahí tenia ese sonido de blues rock añejo, básico, autentico que tanto tiempo llevaba buscando, nada de temas sobreproducidos y solos de guitarra sosos y anodinos que me aburrían. Encima acompañado por el mismísimo John Paul Jones, mítico bajista de los Led Zeppelin y por una bestia parda de las baquetas llamado Dan Magnusson. Ya el primer tema "Down on the Farm" le hace ser merecedor de este quinto puesto, pero es que el resto del álbum no se le queda a la zaga, intensidad y actitud, un trabajo delicioso. Me encantaría escuchar a unos AC/DC con estos sonidos, seria acojonante.



4- Rob Zombie "Venomous Rat Regeneration Vendor"

Ya hice una entrada (pinchad aquí) en la que daba mi impresión sobre este maravilloso trabajo. Fundamental para mi este trabajo que encima me hizo descubrir toda la carrera de Rob Zombie en solitario, abandonada por mi desde hace tiempo, en fin, tonterías que hace uno de vez en cuando.



3- Clutch "Earth Rocker"

Si llego a hacer la lista hace un mes este seria para mi el trabajo del año sin lugar a dudas, temas como el que da titulo al álbum "Earth Rocker", "Mr. Freedom" y sobretodo "D.C. Sound Attack" "Cyborg Bette" y "Gone Cold" hacen de este álbum un imprescindible, un álbum de los que permanecen en el tiempo, bien, muy bien lo hicieron Mr Fallon y cía. serian los mejores de no ser por que aparecieron…



2- Beasto Blanco "Live Fast Die Loud"

Beasto Blanco es la banda de Chuck Garrick, bajista de Alice Cooper y este es su disco debut. Impresionante desde su inicio a lo spaguetti western con "Il Nostro Spirito"seguido del trallazo "Beasto Blanco". "California" y sobretodo "Breakdown"con unas lineas de bajo magistrales y brutales nos trasladan a un mundo mezcla de Rob Zombie, Motorhead, Guns and Roses desbocados. Requiere volumen, mucho volumen donde entre otras cosas se aprecia la colaboración vocal de Calico Cooper, hija de Alice Cooper, colaboración esta que me pone loco, loco, vaya coros que se casca la señorita, imprescindibles para que este trabajo este en mi segundo lugar de preferencias.



1- Casablanca "Riding a Black Swan"

Si su primer trabajo ha sido el mas escuchado por mi este año, y no me aburro de seguir escuchandolo, no tengo ninguna duda que este le va andar muy, muy cerca a partir de ahora. Grupo descubierto gracias a "Pupilo Dilatado" la verdad que no tenia noticias de una nueva publicación suya hasta hace tres semanas, gracias a un foro del Azkena, así de casualidad y la verdad que el grupo de Ryan Roxie, guitarrista de Alice Cooper (vaya banda que tienes, viejo Alice) nos regala un disco de autentico LUJO,  no tan comercial como su disco de debut, pero mas maduro, lleno de melodías y de una riqueza musical  exquisita, mezcla de lo mejor de los 80, con toques sleazy, toques NWOBHM y con temas de la mas autentica "High Energy" nórdica que me han enganchado totalmente haciendo de este uno de mis grupos de cabecera actuales.  Temas como "Dead End Revisited", "Hail the Liberation", "It´s Allright", "Barriers", "Some Misty Morning" y sobretodo la estrella del álbum para mi "No Devil in me" forman parte de la banda sonora básica de este año que se acaba ya.



En fin esto es todo amigos, Feliz año a todos y espero nos sigamos leyendo el año entrante, y…

LONG LIVE ROCK AND ROLL¡¡¡


miércoles, 18 de diciembre de 2013

Por amor a la música: "I Saw Mommy Kissing Santa Claus"


Y llego el miércoles, y el Master del juego "Por amor a la música", Tsi-Forrest nos propone una ronda única navideña donde debemos tratar una canción navideña que no lleve en el titulo ni la palabra "christmas" ni la palabra "navidad", haciendo un análisis sobre ella y ofrecer el máximo posible de versiones. Ideal para estas fechas, la verdad. No soy muy navideño, no os voy a engañar, pero esta ronda nos va a ofrecer la posibilidad de poder escuchar versiones interesantes, muy interesantes de canciones típicas y no tan típicas, con la navidad como tema principal.

Mi canción elegida es "I Saw Mommy Kissing Santa Claus" canción navideña del año 1952 con música y letra del compositor británico Tommie Connor y cuya primer interpretación fue llevada a cabo el mismo 1952 por el precoz cantante de 13 años, Jimmy Boyd, procedente de McComb, estado de Mississippi.

Esta canción alcanzo rápidamente el numero i en las listas de Diciembre del año 52, pasando a convertirse, a partir de ese mismo momento en un clásico de la música navideña estadounidense.
La canción describe una escena en la que un niño desciende por las escaleras en el día de navidad y ve como su madre besa a Santa Claus (Ojo, Spoiler: Que evidentemente es el padre) bajo el típico muérdago de aquellas tierras.



Esta canción no estuvo exenta de polémica puesto que estuvo condenada por la iglesia católico-romana de Boston, al mezclar dos conceptos tan "antagónicos" como son la navidad y los besos (!!!joooder¡¡¡) ignorando el hecho de que es tradición en navidad en los hogares americanos besarse bajo el muérdago (!Ah, bueeeno, entonces¡). El pobre de Boyd tuvo que ir a la diócesis a explicarlo y después el y la banda fueron "perdonados".
Satánico no parece Jimmy Boyd, No?
Una vez superados estos demoniacos percances, la canción consiguió convertirse en todo un clásico siendo versioneada en décadas posteriores por varios artistas que os pongo a continuación:










sábado, 14 de diciembre de 2013

Por amor a la música: Frank Marocco y Jovanotti "Dove o Visto Te" del album "Safari" (2008)




Ultima ronda de esta fase del juego PAALM, fase en la que reconozco que empecé entusiasmado ante las nuevas perspectivas que se me iban abriendo, dado mi total desconocimiento del mundo del jazz y sus conexiones con el rock y el pop, y en la que estoy acabando un poco saturado pues la cosa se me ha ido complicando por momentos, ronda a ronda. La verdad que me saturo antes de empezar las entradas correspondientes, después de hacerlas, reconozco mi satisfacción por los conocimientos y anécdotas adquiridas, pero eso no quita para que se me este haciendo un poco larga esta ronda.

En estas estamos cuando Carlos Tizón "Northwinds", del fenomenal Blog "Motel Bourbon" nos lanza la ultima propuesta, nos propóne como instrumento clave de Jazz ni mas ni menos que ¡EL ACORDEON!. No os podéis ni imaginar todo lo que paso por mi cabeza: "que si esto no lo saco adelante", "que a ver que excusa pongo si no soy capaz de hacer un post: "que les digo ¿gripe o sarampión?", "o quizás que los componentes de una banda  de Jazz ambulante de albano-kosovares me rompieron los dedos de ambas manos después de preguntarles el nombre de su acordeonista y si había colaborado en algún álbum de pop-rock".

Después de pasar una primera crisis de ansiedad, respiro hondo y repasando mi trayectoria musical, como oyente, por supuesto, me doy cuenta que mis únicos lazos con el acordeón son los de una sobrina de un buen amigo que toca el acordeón en la BBC (bodas comuniones y bautizos) y María Jesús y sus "Little birds". La sobrina de mi buen amigo no tiene nada que ver con el Jazz y la mítica Maria Jesus, después de comprobarlo en la red, tampoco tiene ninguna colaboración con alguna Big Band de la zona de Benidorm, por suerte para mi "prestigio" blogeril.

Así que después de mi segunda crisis de ansiedad, mi media caja de tranquimacid y 2-3 Gin Tonics no me queda otra que empezar a trastear en la red para meterme en el "apasionante" mundo de los acordeonistas, dicho con todo el respeto del mundo, no vaya a ser que algún acordeonista albano-kosovar sea un asiduo lector de mi blog y se sienta ofendido, of course.

No me las voy a dar de entendido en la materia así que voy a ir directo al grano. El acordeonista, Frank Marocco, y el músico de pop-rock con el que colabora, el italiano Lorenzo Cherubini, mas conocido bajo el nombre de Jovanotti.

Frank Marocco resulta ser una de las figuras musicales mas importantes del acordeón a lo largo del siglo XX. A lo largo de sus 80 años de vida, falleció en 2012, ha trabajado en gran numero de B.S.O. de películas, junto a John Williams, por ejemplo, series de televisión y música de anuncios publicitarios. Además de su propia carrera como músico de Jazz, impresionante carrera, por cierto, tiene grandes colaboraciones con auténticos monstruos de la música pop y rock, como Madonna, Pink Floyd, Tracy Chapman, Brian Wilson y los Beach Boys y un largo etc, etc. Me ha llamado la atención que era el acordeonista que acompañaba al famoso humorista americano, Bob Hope, en sus conciertos que realizaba de apoyo a los militares americanos a lo largo de varias guerras en  el siglo pasado.



Una de esas colaboraciones que realizo al final de su larga y prolífica vida musical fue con el músico italiano Jovanotti. Este es un músico italiano con mas de 30 años de carrera en sus espaldas, 16 álbumes publicados y mas de 7 millones de discos vendidos en todo el mundo. En sus inicios se vio influenciado por artistas como Beastie Boys, Afrika Bambaataa, Grandmaster Flash o Run DMC. El disco en el cual se encuentra la colaboración de Frank Marocco, Safari, Entro directamente al numero 1 de las listas de su país natal, Italia, donde es considerado un superestrella, socialmente comprometido y afianzado actualmente como el artista mas emblemático del país transalpino. Jovanotti se reintenta continuamente, incorporando diferentes estilos a su música, así a sus inicios con el rap se han ido incorporando colaboraciones con músicos tan dispares como, Luciano Pavaroti, Ben Harper, Bomba Estereo,Bono, Carlinhos Brown, Jorge Drexler o los Beastie Boys.



La canción en la que colabora Frank Marocco es la cuarta del album "Safari" y se titula "Dove o Visto Te" es una bonita canción melódica italiana, donde el acompañamiento al acordeón de Marocco esta presente de forma continua, dándole ese aire nostálgico y mediterráneo que la hace mas "Italiana" todavía. En fin, para amantes de la música melódica italiana, música que para mi, tiene sus momentos, siendo estos italianos, lo reconozco, unos genios para componer este tipo de música.

viernes, 6 de diciembre de 2013

Por amor a la música: Ray Barreto y Bee Gees, "Wind Of Change" del album "Main Course" (1975)


Penúltimo turno de la manga de instrumentistas de jazz que participan en trabajos de Rock y/o Pop y Bernardo nos hace una propuesta interesante y a la vez sorprendente. El instrumento, o mejor dicho, la variedad de instrumentos propuestos, son los que se engloban dentro del termino percusión. Cuando lo leí confieso que respire de alivio puesto que he de reconocer que el juego me estaba poniendo últimamente en bastantes dificultades. No estoy muy puesto en el mundo de la percusión, vamos que no tengo un "percusionista favorito", pero indagando un poco te das cuenta de la omnipresencia e importancia que tienen estos músicos en todos y cada uno de los estilo musicales.
Ray Barreto en acción
El caso que para esta ronda voy y elijo a un, desconocido hasta ahora para mi, Ray Barreto y una colaboración que tuvo con un grupo que debería ser archiconocido para todos los melómanos que se precien de serlo, los Bee Gees.
Para conocer la vida y extensa carrera musical del percusionista Ray Barreto os pongo un enlace que he encontrado en la red, en el cual se nos cuenta con pelos y señales toda su vida y carrera musical.
Pinchad AQUI.
Prefiero hacerlo así por que resulta que este personaje que he elegido resulta tener una carrera tan tremenda como la que puedan tener los mismísimos Bee Gees. Destacar que es uno de los percusionistas clásicos, que iniciaron su carrera en los años 40 y que hasta su fallecimiento en 2006, trabajo con muchos de los grandes del Jazz  (Charlie Parker, Herbie Mann, Fredie Hubbard, Chic Corea y Dizzy Gillespie) y de la música latina (Tito Puente, Celia Cruz, Adalberto Santiago), además de tener sus propias bandas llegando a ser uno de los máximos exponentes del latín jazz.





Y de regalo un duelo tremendo, no os lo perdáis, por favor …




Y de los Bee Gees que queréis que os diga, es complicado resumirlo en pocas lineas pues estamos hablando de uno de los grupos de música mas importantes de la historia con mas de 380 millones de álbumes y singles vendidos en sus mas de 40 años de carrera musical a lo largo de la cual le pegaron a varios estilos diferentes de música, desde el R&B, pasando por el Pop-Rock psicodélico, el Soft Rock y para finalizar el estilo que los consagro como estrellas para la eternidad, la música disco.

Centrándonos un poco en el juego, nos vamos al año 1975 y ahí tenemos por un lado a unos Bee Gees que publican el álbum "Main Course", su undécimo trabajo, álbum de gran éxito (nada que ver con lo que se les venia encima) que mas tarde se vería que era un álbum de transición hacia la música disco y en el cual se incluían, por primera vez, los famosos falsettos vocales de Barry Gibb, el sonido de los sintetizadores y temas de marcado carácter disco.

Precisamente es en el tema mas "disco" de todo este álbum donde colabora Ray Barreto "El rey de las manos duras" con sus congas, dándole un carácter especial a este tema primigenio de la música disco. El tema se llama "Win of Change", aires de cambio que era lo que se cernía sobre la carrera de los ya famosos Bee Gees, que los llevaría al olimpo de los grupos imprescindibles en la historia de la música.






Sera un grupo que o lo amas o lo odias pero su grandeza creo yo que es incuestionable, sus cifras de ventas no se las quita nadie, si bien me llama mucho la atención que no sea uno de los grupos mas nombrados entre las influencias de los grupos actuales, ni siquiera de los últimos 10-15 años atrás.


Os recomiendo leer los enlaces que propongo de los Bee Gees y de Ray Barreto, sobretodo de este ultimo que me imagino que será el mas desconocido para vosotros.

miércoles, 27 de noviembre de 2013

Por amor a la música: John Medeski y Coheed and Cambria "The Afterman: Descension" (2013)



Y llego mi turno en el juego "Por amor a la música", juego en el cual cada semana nos vamos formando e ilustrando acerca de instrumentos e instrumentistas de Jazz que colaboran en otros estilos musicales, principalmente Pop y Rock. Mi elección es el piano, elección que también abarca todos los teclados, en general. Como ocurre con cualquier instrumento relacionado con el Jazz, tenemos un montón de instrumentistas, pianistas en este caso, de una calidad sublime, Una cosa es que nos guste el estilo musical y otra es el reconocer a los músicos de Jazz como auténticos virtuosos, que lo son, y como muestra de pianistas legendarios del Jazz tenemos a personajes como Chic Corea, Bill Evans, Herbie Hancock, Thelonius Monk, Keith Jarret y muchos mas.

Mi pianista de Jazz elegido es John Medeski y es lo que se podría considerar como un pianista de Jazz contemporáneo, puesto que se empezo a dar a conocer a partir de los años 90 en adelante. Su interés por el Jazz comenzó desde joven, influenciado por la figura de Oscar Peterson "el Maharaja de los teclados" (Asi le llamaba Duke Ellington).
John Medeski
Medeski es conocido sobretodo por su participación en el grupo Medeski, Martin & Wood, Junto con el batería Billy Martin y el bajista Chris Wood. Desarrollaron su carrera a partir del año 1991, adquiriendo gran renombre en los circuitos de jazz y funk, estando todavia en activo. Ademas como grupo colaboraron con músicos como Iggy Pop, Trey Anastasio y John Scofield. Además de múltiples colaboraciones y realizar trabajos como productor.




 En el año 2000 formo parte del proyecto de Blues-Gospel "The Word" junto a músicos del calibre de Robert Randolph (Robert Randolph and The Family Band), Luther y Cody Dickinson y Chris Chew (North Mississippi Allstars).

 Otro de sus múltiples proyectos que me ha llamado la atención el el llamado "Spectrum Road", disco homenaje a Tony Williams, mítico batería de Duke Ellington, en el que Medeski se une a músicos del calibre de Vernon Reid (Living Color), Cindy Blackman, batería de Santana y Jack Bruce, mitico bajista y cantante de "The cream".




Una de sus múltiples colaboraciones es la que tuvo con Coheed And Cambria en el presente año 2013 en el álbum "The afterman: Descension"
Coheed and Cambria, son un grupo que descubrí este mismo año y precisamente con el álbum protagonista de mi entrada. Lo primero que llama la atención de este grupo es el nombre y detrás de el se encuentra lo que puede ser el alma y la idiosincrasia del grupo. En este grupo de da la circunstancia de que toda su discográfica en si misma es un macro-obra conceptual, basada en unos libros de cómics llamados "The Amory Wars" publicados por el cantante y guitarrista del grupo, Claudio Sanchez, y el nombre de Cohhed and Canbria son los nombres de los dos protagonistas de dichos cómics, Coheed Kilgannon y Cambria Kilgannon. Viene a ser una historia similar a lo que ocurre en torno a la saga "Star Wars" mas o menos, una frikada total, me da la sensación.

Coheed and Cambria
Ya centrandonos en el álbum en cuestión, "The Afterman: The Descension" es la segunda parte y continuación del álbum publicado en 2012 llamado "The afterman: Ascension". A mi personalmente es un disco que dejo alucinado desde la primera escucha, sin lugar a dudas uno de los álbumes del año. Es uno de esos trabajos que transmiten sensaciones, que es lo mejor que se puede decir de cualquier trabajo musical, sensación de angustia con ese magnifico tema inicial "Pretelethal", sensaciones entusiastas con "The Hard Shell" y con la tremenda "Number City" donde nos muestran su lado mas pop, que me recuerda a The Police, un poco pasados de revoluciones, claro. "Away We Go", "Iron Fist" son canciones de obligada escucha para los amantes del progresivo actual.

Es un disco de marcado estilo Prog-Rock donde alternan riffs tremendos con armonías deliciosas siempre con la increíble y peculiar voz de Claudio Sanchez como protagonista, perfectamente escudada por una instrumentación como pocas veces he podido disfrutar en mis auriculares, llena de matices. Y aquí, en esos matices es donde participa John Medeski, pues es el quien se encarga de todas las labores de piano, teclados y clavinet. Son el relleno perfecto a esta sinfonía perfecta que nos regalan Coheed and Cambria en este trabajo. Os recomiendo la edición "De Luxe" donde Medeski se luce en unas versiones de demos donde el piano es, junto a la voz de Sanchez, el gran protagonista (escuchad la versión al piano de "2`s My Favourite").

Actualmente Coheed and Cambria son:

  • Claudio Sanchez: Voz y guitarras
  • Travis Stever: Guitarra y coros
  • Josh Eppard: Bateria
  • Zach Cooper: Bajo










sábado, 23 de noviembre de 2013

Por amor a la música: Stanley Clarke y Vanessa Williams "What Will I Tell my Heart" (1991)



Siguiente parada dentro del viaje que nos propone el juego "Por amor a la música", y ahora el instrumento de Jazz propuesto por Vinny es el bajo, bien sea eléctrico o cualquiera de sus variantes que sean utilizadas en el Jazz. La cosa se complica semana a semana, tanto para buscar instrumento clave como para aportar un post decente en cada ronda del juego. Pensaba que iba a ser mas sencillo encontrar dentro de mi terreno musical algúna colaboración de bajistas de jazz, pero no es así, todas o casi todas son de músicos funk, cosas del azar.

Esto me ha obligado, en parte gustosamente, a realizar una entrada que se refiere a una colaboración que tuvo el gran bajista de jazz, Stanley Clarke, con la bellísima, y por aquel lejano 1991, revienta listas de éxitos en los States, Vanessa Williams.
La canción es "What Will I Tell My Heart", septimo tema del segundo álbum de Vanessa Willams llamado "The Confort Zone" realizado en el año 1991. Pero antes situemonos un poco, veamos quienes son tanto Vanessa Williams como Stanley Clarke.

Stanley Clarke, nació un 30 de Enero de 1951 en Filadelfia, Estados Unidos. Es un músico formado musicalmente en ambientes rockeros y con el soul debajo del brazo, es uno de los representantes mas carismáticos  de lo que se dio en llamar "jazz rock". Junto al pianista Chic Corea, participo durante la década de los 70´s en el magnifico grupo "Return to Forever" pionero de la escena de la fusión y por su cuenta y riesgo se aventuro en todo tipo de proyectos, incluido la "degradada" formula de "música disco".
Stanley Clarke siempre tuvo una curiosidad insaciable por cualquier tipo de música y eso le ha valido poco menos que el desprecio de una parte importante de la critica de jazz siempre apegada a una intransigente cuestión de ortodoxia y pureza. participo de manera destacada junto a George Duke, teclista del grupo de Frank Zappa, en un proyecto denominado "Clarke-Duke Project" y en el que ambos encontraron el cauce adecuado a sus inquietudes musicales. También se ha destacado además de por su infinidad de colaboraciones musicales, como compositor en diversas series de tv americanas y películas de cine (Romeo must die, The Transporter).
Dotado de una técnica y un virtuosismo envidiable, Stanley Clarke es, junto al gran Jaco Pastorius uno de los músicos claves a la hora de introducir el bajo eléctrico en el mundo del jazz. con una digitacion impecable, su velocidad en los ritmos y su sonido han hecho de el una verdadera estrella aunque peca en muchas ocasiones de exhibicionista. En cualquier caso, cuando se acerca al jazz lo hace con enorme calidad.

Vanessa Williams, Miss America 1984
La historia de Vanessa Williamas es un poco peculiar, al menos para mi. Esta mujer salto a la fama en el año 1984, cuando fue la primera mujer afroamericana en ganar el concurso de Miss América si bien la polémica le acompaño desde el primer momento. Fue la primera Miss America en recibir amenazas de muerte y además tuvo que renunciar a su titulo antes de finalizar el plazo por un escandalo debido a unas fotos suyas desnuda que se realizo el año 1982. La revista Playboy rechazo el ofrecimiento de dichas fotos pero la revista Penthouse no lo hizo, publicandolas en su numero de septiembre de 1984. El escandalo de una Miss América desnuda, la presión de los medios y de los patrocinadores la llevaron a forzar su dimisión en Julio de 1984.










Así pues con todo este escandalo mediatico Vanessa Williams cogió gran renombre que sin duda lo supo utilizar para su posterior lanzamiento musical, allá por el año 1988. Tras un debut espectacular en los States, llegando a estar en los primeros puestos de las listas de R&B y Pop con su álbum "The right Stuff", todavía se supero mas con su segundo trabajo "The Confort Zone" que llego a ser numero uno y triple disco platino en los Estados Unidos. En este trabajo se encuentra la canción elegida por mi para esta ronda de l juego. Mas concretamente es el séptimo corte llamado"What Will I Tell my Heart", un bonito tema de Soul-Pop-Blues, donde la dulce voz de la Williams se ve espectacularmente acompañada por Harvey Mason a la batería, Randy Waldman al piano, Peter Christleib al saxo y Stanley Clarke al bajo acústico.

¿Acaso te incomodo, chaval?
No os voy a engañar, todos los recuerdos que yo tenia sobre Vanesa Williams tienen mas que ver con su espectacular físico que con sus dotes musicales. A mi me parece la típica artista, mas mediatica que otra cosa, a la cual la rodeaban de grandísimos músicos y productores y sacaban trabajos muy comerciales, para las radios de la época. Eso si, indagando en su biografía además de a la música le dio a la interpretación, adquiriendo cierto prestigio en musicales de Broadway y en diversas películas y series de tv como "Mujeres desesperadas".

La semana que viene es mi turno, no se me olvida, y espero poder hacer una entrada mas de mi estilo en la cual me sienta mas cómodo, musicalmente hablando.

!Ah, por cierto, el video de la canción viene ahora, ehhh¡

sábado, 16 de noviembre de 2013

Por amor a la música: Simon Phillips e Ian Gillan "Moonshine" (1990)


Siguen rolando los instrumentos tocados por músicos de Jazz en esta ronda del juego "Por amor a la música", y ahora Pupi, amo y señor de uno de mis blogs de cabecera, Pupilo dilatado, nos propone la batería como instrumento clave, siendo su elegido, el gran Ginger Baker colaborando con Hawkind.
Si me hubiese dejado llevar por algo que últimamente me halla entusiasmado, habría repetido el personaje, Ginger Baker, y habría elegido su participación en el trabajo de Masters of Reality "Sunrise on the Sufferbus", sobretodo esa maravilla de canción "She Got Me", pero no lo he hecho por que fue el mismo Pupi quien, brillantemente nos contó prácticamente todo acerca, tanto del tema como del álbum completo. Así que tocaba investigar, indagar entre mi discografía y así es como averiguo que entre los baterías mas destacados de la historia del Jazz figura el nombre de Simon Philllips, el cual me sonaba de verlo en un montón de trabajos relacionados con el rock, hard rock e incluso Heavy Metal así como músico de estudio y, como no, participación en proyectos jazzisticos a lo largo de su amplia carrera.

Simon Phillips nació en londres un 6 de Febrero de 1957 y es conocido como "el rey del doble bombo", comenzando a tocar la batería de forma precoz, desde los 12 años, en la banda de jazz de su propio padre. Decir con quien ha tocado nos llevaría a tener que dedicar este post solo a leer la lista interminable de músicos, así pues destacaría nombres tan dispares como, Frank Zappa, Whitesnake, Judas Priest, Ray Russell, Jack Bruce, Roger Glover, Gary Moore, Art Garfunkel, Jeff Beck, Michael Schencker, Stanley Clarke, Roxy Music, Camel, Big Country, Mike Oldfield, Mick Jagger y así la lista podría ser interminable.

 Paralelamente a todo esto ha desarrollado una carrera como músico de Jazz, sacando una decena de trabajos de Jazz a partir de 1989, año en el que publico el disco "Protocol" bajo su propio nombre pasando por proyectos como su propia banda de jazz en el año 2006, llamada "Vantage Point" junto al pianista Jeff Babko, el bajista Alphonso Johnson, el trompetista Walt Fowler y el saxofonista Brandon Fields y mas recientemente una serie de conciertos de Jazz/Funk/Rock instrumental que realizo en 2009 junto a Pino Paladino (Bajo) y Philippe Saisse (Teclados) bajo el nombre de PSP.
Desde el año 1991, también, es miembro permanente de la banda Toto en sustitución de Jeff Porcaro.





A ese sin fin de colaboraciones hay que añadir la que en el año 1990 realizo con Ian Gillan, el cual después de una de sus expulsiones, huidas o lo que fuese que motivase su salida de los Deep Purple en el año 1989, nos regalo dos de sus mejores trabajos en solitario, no con su banda "Gillan", estos trabajos, repito bajo el nombre de Ian Gillan son, "Naked Thunder" y "Toolbox".
La colaboración de Phillips con Gillan a la que me refiero es la que tuvo en el año 1990 en el álbum "Naked Thunder", donde compartió su labor en la batería junto al gran Ted Mckenna, que fuera batería habitual de MSG, y la canción en particular es "Moonshine"octavo tema de este magnifico álbum.

Antes de comentaros la canción en cuestión me voy a referir al otro protagonista de este post, Ian Gillan. No me voy a liar comentando nada de su biografía, creo que todos los que me lean sabrán quien es Ian Gillan, solo voy a comentar algo acerca de mi relación con Ian Gillan y sus discos fuera de los Deep Purple. Este hombre me ha desconcertado siempre, tengo con el, musicalmente hablando, claro, una relación amor-odio. Lo mismo te saca un álbum que es para quitarse el sombrero como te saca otro que no sabes por donde cogerlo. Si hiciera una lista de "Los discos mas abominables que me he comprado jamas" saldrían tres o cuatro de Ian Gillan de infausto recuerdo para mi, como uno llamado "Dreamcatcher" u otro que lo realiza a medias con Roger Glover llamado "Accidentally on Purpose". De su banda, Gillan, solo decir que tenia buenas canciones pero no grandes álbumes, al menos para mi.

Llendo al grano, dentro de ese magnifico "Naked Thunder" la canción elegida, "Moonshine" es el mas rápido, el que mas virtuosismo nos enseña, donde se aprecia ese magnifico doble bombo de Phillips junto a una guitarra de Steve Morris, guitarrista habitual de Ian Gillan en esta época,  realmente sublime, al mas puro estilo "Hard Rocker" de Van Halen o Steve Vai, es el tema mas duro de todo el álbum, donde Gillan nos muestra su excelente estado de forma por aquellos años.

Del resto del álbum solo reseñar que es un excelente trabajo, totalmente recomendable para los amantes del hard rock e incluso del AOR mas potente, donde Ian Gillan nos muestra su lado mas comercial, que es el que a mi siempre mas me ha gustado de este hombre. Tengo una deuda pendiente con este trabajo y con el siguiente que realizo, "Toolbox" la cual espero saldar en este blog, con dos entradas dignas de ambos trabajos ya al completo.



PD. Esto va dirigido a mis compañeros de juego. Se que últimamente se me ha pasado comentar algunas entradas, lo siento, es por culpa de mi falta de tiempo, a partir de ahora espero estar un poco mas desahogado, un saludo a todos.

sábado, 9 de noviembre de 2013

Por amor a la música: Joss Stone y Lou Marini "I Believe It To My Soul" (2009)



Siguiente turno del juego "Por amor a la música " y el instrumento tocado por músicos de jazz, propuesto por Chals de "Chals on the rocks", es el saxofón. A priori parece que la ronda debería ser sencilla, se trata de buscar en las estanterías de los cd´s canciones con música de viento, escoger una canción de las de toda la vida y listo. Pero no, me he liado la manta a la cabeza, me he ido por un camino con mas complicaciones de las debidas, al menos para mi. Me he quedado en blanco durante estos tres últimos días, no hay forma de atinar y después de descartar dos opciones por no tratarse de músicos de jazz, descubrí, con sorpresa, a los dos protagonistas de mi post. El saxofonista elegido es Lou Marini Jr., la canción elegida es"I Believe It To My Soul" y la artista con quien colabora Marini es la bella, precoz y excelente cantante de Soul británica Joss Stone.


Lou Marini tuvo su momento álgido de fama, a raíz de ser miembro de los Blues Brothers, pero aparte de tal privilegio, también tiene a sus espaldas una amplia carrera de colaboraciones con grupos de muy diferentes estilos, tales como Frank Zappa, Aerosmith, Rolling Stones, Steele Dan, Dr. John, Bloos, Sweet & Tears y The Band y de interpretes solistas como, Eric Clapton, Tonny Bennet, Stevie Wonder, Diana Ross, Lou Reed y Aretha Franklin, entre otros.
Añadido a todo esto tiene una prestigiosa carrera como músico de jazz, teniendo sus propia bandas desde el año 1995, llamadas Lou Marini Group (1995), Lou Marini Quintet (1995) y Lou Marini and the Magic City Jazz Orchestra (desde 1999) y desde 2010 compagina esta ultima con Blue Lou and Misha Project.


Lou Marini, a la izquierda de Dan Akroyd y James Belushi.

De entre todas sus colaboraciones, me ha llamado la atención la que en el año 2009, dentro del álbum "Color Me Free", realizo con Joss Stone, no la conocía y el resultado es la canción elegida, siendo el resultado una excelente canción, donde la Stone se nos marca una exhibición vocal de las suyas enmarcado todo en una canción de ambiente bluesy al 100%, destacando la sección de viento dentro de una ausencia total de música eléctrica y donde el saxo de Marino tiene un protagonismo total. En esta canción, la Stone se rodea de un grupo de músicos prácticamente casi todos, salidos del mundo del jazz. Asi tenemos al bajo a Christian Mcbride, a la batería a Steve Gadd, al piano eléctrico a Gil Goldstein a la guitarra a Russell Malone, acompañando con el saxo a Marino tenemos a Howard Jonshon.
Respecto al resto del disco, es un trabajo de Funk-soul completamente recomendable, donde Joss Stone se nos suelta la melena y se nos muestra mucho mas autentica que en discos anteriores. Una joya que desconocía hasta hace dos días y que me ha vuelto a poner en mi reproductor a esta magnifica cantante.



miércoles, 30 de octubre de 2013

Por amor a la música: Motorpsycho y Mathias Eick "X-3 (Knucleheads in space)/The Getaway Special" (2010)


Nueva ronda propuesta por Forrest en el juego "Por amor a la música" y la verdad que, si bien al principio me acojoné un poco, ahora, después de un par de horas de búsqueda de inspiración para hacer la entrada o post correspondiente, estoy entusiasmado, principalmente por el descubrimiento al que me ha llevado este juego.

Motorpsycho
El descubrimiento al que me refiero es el grupo noruego Motorpsycho y su tema "X-3 (Knucleheads in space)/The Getaway Special", segundo corte de su magnifico trabajo llamado "Heavy Metal Fruit" del año 2010.

La clave de esta ronda es un instrumento (la trompeta en este caso) tocada por un músico de jazz en colaboración de grupos o solistas de pop-rock. Vamos, resumiendo, temas o discos enteros donde colaboren trompetistas de Jazz con grupos de pop-rock.

El grupo ya lo he nombrado, Motorpsycho, y el trompetista de Jazz que colabora con ellos es, el también noruego, Mathias Eick.

Mathias Eick
Efectivamente, no es ninguno de esos dinosaurios del Jazz que son los primeros que me han venido a mi mente a la hora de hacer este post, Gillespie, Chet Baker, Louis Amstrong, Wynton Marsalis y demás. Este es un  músico actual, nacido en Junio del año 1979 en Furnes (Hedmark), Noruega, que en 2007 gano el "International Jazz Talent" siendo premiado por la organización internacional de festivales de Jazz de NY. Para su segundo trabajo ya había fichado por el prestigioso sello de Jazz ECM. Entre otros, tiene grandes colaboraciones con estrellas consagradas del Jazz como Chick Corea y Pat Metheny, pero lo que mas ha llamado mi atención es que ademas ha colaborado con bandas noruegas de rock como Turbonegro, Dum Dum Boys, D´sound, Bigband y los Motorpycho y esto es lo que a mi realmente me interesa y me pone loco de entusiasmo.

El grupo con los que colabora es, como he dicho anteriormente, Motorpsycho, banda noruega con un largo historial a sus espaldas pues llevan en activo desde 1989 y tienen 15 álbumes en su haber.
El tema elegido esta en su decimocuarto trabajo "Heavy Metal Fruit"un espléndido trabajo de lo mas variado, una perfecta mezcla de hard rock setentero, de psicodélia, de música sinfónica, de ese "space rock" de los 70´s. No es un álbum al uso, tiene la estructura de aquellos trabajos de los Pink Floyd de los 70, pero mas accesible, al menos para mi.

El álbum, en su conjunto es una autentica maravilla, pero yo quiero destacar el corte elegido para esta entrada. Consta de dos partes, una que dura hasta los 5´:03´´, garajero total, Rock&Roll frenético, High Energy total, al estilo de un montón de bandas salidas de esas tierras del norte, Hellacopters, Gluecifer y demás, donde la trompeta de Eick apenas se percibe entre las guitarras, teclados y esa base rítmica al mas puro estilo Purple (con Glenn Hughes, of course) y la otra que nos lleva a un universo mas funky, mas jazz, donde la trompeta de Thomas Eick lleva todo el protagonismo junto a la guitarra de Hans Magnus Ryan, guitarrista de Motorpsycho. La base rítmica tan impresionante como la primera parte, una maravilla, un lujo sonoro, al bajo y voz tenemos a Bent Saeter y la batería a Kenneth Kapstad.
El resto del álbum mantiene la misma calidad que este tema, increíble descubrimiento, altamente recomendable.
 

viernes, 25 de octubre de 2013

Por amor a la música:"Under the influence: A Jam Band Tribute to Lynyrd Skynyrd" (2004)



Cerrando el primer ciclo de esta segunda temporada de "Por amor a la música" tenemos el turno de Carlos alias "Northwinds" del gran blog Motel Bourbon, blog que os recomiendo visitéis ya, si no lo habéis hecho todavía. Mira que le pedí que fuese bueno, pero nada, no debe estar muy clara la linea que separa la bondad y la maldad en este juego, vamos a degüello, ja, ja, ja.

La clave alrededor de la gira este turno es la figura de Les Claypool, afamado bajista y multiinstrumentista, componente y alma mater de Primus con una variada carrera como productor. Si queréis saber mas de este personaje os recomiendo leer y disfrutar con su post que da pie a esta ronda del juego.

Les Claypool
A mi nunca me intereso Primus, no os voy a engañar, me quede con Anthrax y poco mas, dentro de aquella hornada de grupos contemporáneos a Primus, con lo cual podréis deducir de forma sencilla, que de la posterior carrera de Les Claypool, no tengo ni la mas ligera idea.

Enredando un poco por la red, viendo mis opciones en esta ronda del juego, vi que Claypool, colaboro y produjo un  disco tributo a mis queridos Lynyrd Skynyrd, con lo cual mi opción y tabla de salvación fue la que os voy a presentar a continuación, el trabajo "Under the influence: A Jam Band Tribute to Lynyrd Skynyrd" del año 2004.

Los temas y participantes en este disco tributo son.
  1. Call Me The Breeze           Les Claypool
  2. Saturday Night Especial     Galactic
  3. Simple Man                        Gov´t Mule
  4. Whiskey Rock a Roller      North Mississippi Allstars
  5. The Ballad of Curtis Loew    Moe, John Hiatt
  6. Free Bird                             Blues Traveller
  7. Every Mother´s Son            Drive By Truckers
  8. Sweet Home Alabama        Big Head Todd &The Monster
  9. Gimme Three Steps            Disco Biscuits
  10. Four Walls of Railford        Younder Mountain String Band
  11. Workin´for MCA                Particle
La verdad que este trabajo fue bastante vapuleado en su momento por la critica mas purista, todo o casi todo lo que he leído acerca de este trabajo lo ponen a parir sin piedad, con lo cual las espectativas previas a su escucha son bastantes bajas, la verdad.

Si embargo mira por donde, a mi, que me han gustado y me gustan Lynyrd Skynyrd, los de antes y los de ahora, después de un par de escuchas, me hace algo de gracia. Quizás sea el cansancio y aburrimiento de oír siempre versiones calcadas a las originales, pero me parece interesante y curioso escuchar como artistas como Les Claypool llevan "Call me the Breeze" a su terreno, con ese bajo funk y total y su voz ... no se no como calificarla. Me gusta ver como los Mule, North Mississippi y Drive by Truckers hacen unas versiones mas previsibles pero no por ello exentas de la calidad que le dan a todo lo que hacen.

Me llama la atención sobremanera y me gusta la versión que hace John Hiatt de "The Ballad of Curtis Loew" deliciosa. no puedo decir lo mismo de Blues traveller, Big Head Todd &The Monster y Disco Biscuits, demasiado personalizadas en un estilo que no me engancha tanto.
Sin embargo, los dos temas que cierran el disco "Four Walls of Railford" conYounder Mountain String Band y "Workin´for MCA" versión instrumental con aires jazz y lounge del grupo Particle me parecen muy dignas.

Resumiendo, un trabajo que si eres amante de los Lynyrd no te deja indiferente o te  gusta o lo odias, en mi caso es lo primero.

jueves, 17 de octubre de 2013

Por amor a la música: The Go-Go´s "Beauty and the Beat" (1981)"



Turno de Bernardo, jefe del blog "Mi tocadiscos dual, esta semana, en el juego "por amor a la música". Intuía que la cosa se iba a poner difícil, como así me a parecido al leer el nombre clave de esta semana, Richard Gottherer, si bien cuando he buceado un poco en su extensa obra enseguida vi un trabajo que me llamo poderosamente la atención y que hizo que me decantara por él. "Este turno me va a venir de perlas para saldar una vieja cuenta pendiente" pensé, y así va a ser. Recuerdo allá por los 80´s cuando Belinda Carlisle tuvo su momentazo comercial, que en la prensa escrita de entonces (no, no había internet, jovenzuelos) siempre se referían a ella como ex-componente de The Go-Go´s y hablaban maravillas de este grupo al cual no tuve la posibilidad de escuchar hasta el día de hoy, gracias a la propuesta de Bernardo.
Belina Carlisle



The Go-Go´s son (digo son porque todavía hoy están en activo) una banda formada allá por 1978 en los ambientes emergentes de los L.A.de entonces. Se les catalogo como una banda de New Wave cuya principal característica fue, en un principio, estar compuesta solo por mujeres y que además se componían toda su música. Su presencia contribuyo a aquel movimiento de los primeros 80´s que cambio la música americana a partir de entonces.



The Go-Go´s en 1981
En sus inicios la banda se oriento mas hacia el punk rock, haciéndose un nombre en locales míticos de L.A. como The Mask y Whiskey a Go Go, llegando a telonear a Madness. Después de editar una demo, girar medio año por Inglaterra, lanzar un primer single llamado "We got the beat"con Stiff Records y cambiar a la bajista y batería originales, llega el año 1981 y firman con IRS Records, compañía de Richard Gottherer, sacando el álbum "Beauty and the Beat", producido por el mismo Gottherer y siendo todo un bombazo, llegando en seis semanas a lo mas alto de las listas de entonces en los States. "Our lips are Sealed" y una nueva versión de "We Got The Beat" fueron muy populares en los años 81-82.
The Go-Go´s en la actualidad

la banda estaba compuesta por:

Belinda Carlisle: Cantante
Jane Wiedlin: Guitarra ritmica
Charlotte Caffey: Guitarra principal y teclados
Kathy Valentine: Bajo
Gina Schock: Bateria

Los temas de este disco son:

  1. Our lips Are Sealed                               2:45
  2. How Much More                                   3:06
  3. Tonite                                                    3:35
  4. Lust to Love                                          4:04
  5. This Town                                             3:20
  6. We got the Beat                                     3:36
  7. Fading Fast                                            3:41
  8. Automatic                                              3:07
  9. You Can´t Walk in your Sleep              2:54
  10. Skidmarks on my Heart                         3:06
  11. Can´t Stop The World                           3:20 

Abren con "Our lips are Sealed" con una guitarra y teclados que me recuerda a The Cars. Tema fresco, medio tiempo que suena muy bien , la verdad.
Las dos siguientes canciones son "How Much More" y "Tonite" Pop rock, comercial, guitarras ligeras, canciones alegres con coros femeninos, bastante agradables de escuchar.
En "Lust To Love" y This Town" sacan su vena mas Punk rocker, se dejan ver de forma nitida, siendo para mi, el estilo de canciones que mas me gustan.
"We Got The Beat"puro R&R un autentico superventas, cancion basica pero efectiva.
"Fading Fast" y "Automatic" los momentos mas tranquilos del disco, no son baladas al uso, sigo percibiendo toques punk, maquillados, pero ahi están.
Para acabar tres trallazos rockeros, de autentico espíritu garajero que en su momento tenian que sonar en directo como patadas en el culo (toma topicazo) temas frescos y directos.
En resumen, disco fresco, que suena de fabula pese al paso del tiempo, que no me extraña que llegase a lo mas alto de las listas de los 81-82. No es solo pop, es rock, es punk, no teneis mas que escuchar las lineas de bajo y lo reconocereis enseguida, me suenan a Aereolineas Federales y grupos por el estilo, buenisimo disco para alegrarte muchos momentos y hacer la vida menos trascendental., la verdad.

miércoles, 9 de octubre de 2013

Por amor a la música: Ozzy Osbourne "No Rest For The Wicked" (1988)



Llego mi turno en "Por amor a la música" y con la clave en esta ronda de proponer un músico productor o productor-músico. Esta clave, a priori, puede parecer sencilla, pero de eso nada colegas. Mi experiencia personal en esta ronda la podría definir como apabullante, por un lado y enriquecedora por otro. Apabullante, pues descubres que por mucho que creas saber sobre historias de la música rock siempre es mas, mucho mas lo que no conoces. Y enriquecedora porque en cierto modo te obliga a escuchar músicas nuevas, desconocidas así como conocer datos de la vida y obras de personajes influyentes y desconocidos, hasta el momento, de la historia de la música rock.

Dejandome de rollos voy directo a mi propuesta de esta semana y no es otro que el afamado productor Keith Olsen, productor con un pasado como músico que detallare mas adelante.

Keith Olsen es uno de los productores musicales mas prolíficos y con mayores éxitos en su haber de la segunda mitad del siglo XX. Las cifras apabullan, la verdad, cerca de 200 producciones llevan su nombre, mas de 110 millones de trabajos vendidos, 45 discos de oro o platino y seis premios Grammy, ahí es nada. Nació en Sioux Falls, Dakota del Sur para mas tarde ir con su familia a vivir a Wayzata, Minneapolis. Desde muy temprana edad ya mostró interés por todo tipo de estilos musicales, desde música clásica a todo los géneros que se daban por entonces, pop, rock, jazz. desde jovencito empezó a tocar el bajo y adquirir conocimientos básicos de como realizar grabaciones con diversas bandas locales de Minneapolis.

Pero su introducción real dentro del arte de la producción vino cuando conoce, a finales de la década de los 60, a Curt Boettcher, uno de los padres del sonido pop y psicodélico de mediados de los 60 en los States. Fue el mismo Boettcher quien le puso en contacto, posteriormente con el gran Brian Wilson, de los Beach Boys, introduciendole en el ambiente musical de L.A. A pesar de que entonces esta tocando el bajo en la banda "The Music Machine" y estaban disfrutando de su mayor éxito con el single "Talk Talk" el tenia claro claro que lo suyo era la producción y que se quería dedicar a ello. Keith Olsen toco con la banda "The Music Machine" entre los años 1965 y 1967 y su estilo se podía considerar como garaje/rock/psicodelico.



Olsen obtuvo un trabajo como ingeniero de sonido en los míticos Sound City de los Angeles (si, los del magnifico documental de Dave Grohl "Reel to Reel") donde pudo empezar a desarrollar todas sus ideas y conocimientos musicales. Asi es como trabaja con varias bandas de lo L.A. entre ellas una banda llamada Fritz, de la cual, como consecuencia de su disolución, en 1971, surgió un dúo compuesto por Lindsey Buckingham y Stevie Nicks, con los cuales grabo una demos que mas tarde les ayudo a fichar por Polydor. estamos en 1973 y Olsen les produjo su primer trabajo, el disco se llamaba como el grupo "Buckingham Nicks" y fue un gran éxito en los ambientes underground de Los Angeles, si bien, la compañía Polydor maltrato este trabajo, no dándole relevancia alguna.

Stevie Nicks, increible
Olsen comenzaba ha hacerse un nombre en los ambientes musicales de L.A. y así es como toma contacto con Mick Fleetwood, batería de Fleetwood Mac, que en 1974 estaba preparando su nuevo disco en los estudios Sound City y encima estaban buscando guitarrista. Mick Fleetwood quedo prendado de la guitarra de Lindsey Buckingham, escuchando una grabación del tema "Frozen Love". Las circunstancias de como Buckingham y Nicks acabaron en Fleetwood Mac se explican de maravilla en el documental antes citado de Dave Grohl "Reel To Reel". El productor de ese nuevo disco de Fleetwood Mac llamado como el mismo grupo "Fleetwood Mac" fue el propio Keith Olsen y el resultado fue uno de los mayores éxitos de la historia de la música rock, poniendo de paso a Keith Olsen en un altar musical y dando comienzo a un a carrera espectacular que le hizo estar en la cumbre durante las décadas de los 70´s, 80´s y 90´s.

A lo largo de estos mas de 30 años ha colaborado con artistas como Grateful Dead, Bob Weir, Eddie Money, EL&P, Rick Springfield, REO Speedwagon, Pat Benatar,Heart, Santana, Jethro Tull, Scorpions, 38 Special, Sammy Hagar, Whitesnake, Foreigner, Journey y muchos mas, así como en varias BSO de películas como Footloose, Flashdance, Tron y Top Gun.

Hacia finales de los 90 dejo un poco de lado, sin abandonarla, su faceta como productor dedicándose mas a la investigación e ingeniería de los sonidos, algo a lo que se dedico durante toda su vida de forma paralela a la de productor, así como a la publicidad. Sin duda se puede considerar a Keith Olsen como uno de los artífices del llamado sonido americano de los 70´s y 80´s, un sonido a veces denostado por determinada critica purista pero de amplia aceptación entre los aficionados de esas décadas, de hecho era la música de mayores éxitos tanto en listas como en ventas.

Y mi elección relacionada con Keith Olsen no es otra que el disco de Ozzy Osbourne "No Rest For The Wicked", disco publicado en 1988, producido por Keith Olsen junto con Roy Thomas Baker y que supuso el debut con el Madman del gran Zakk Wilde, uno de mis guitarristas favoritos desde que escuche las primeras notas de este gran y olvidado trabajo de Ozzy y cía.
Keith Olsen y Ozzy
Nos encontramos con un Ozzy, que en 1987 fue abandonado por Jake E. Lee por desavenencias musicales y a saber porque mas, después de dos trabajos de gran éxito comercial como fueron "Bark at the Moon" y "The Ultimate Sin" pero con criticas no muy favorables de los fans del madman que le reclamaban algo mas "Sabbath". En esas es como sorprende a todo el mundo anunciando la contratación a la guitarra de un autentico desconocido, un larguirucho rubio de 21 años que respondía al nombre de Zakk Wilde sin experiencia previa en bandas de renombre. El resto de la banda son Randy Castillo a la batería y el gran Bob Daisley, que regresaba con Ozzy, al bajo, vamos una base rítmica excelente. Además al incorporar a Daisley se apuntaba un tanto a nivel de compositivo como letrístico. Lastima que después de la grabación del disco no continuase con la banda siendo sustituido para la gira por el mismísimo Geezer Butler, bajista original de Black Sabbath.  Lo que hizo Daisley en los 80´s es de un mérito increíble, siempre participando desde la sombra en grandes éxitos de grupos como Rainbow, Gary Moore, Uriah Heep y algunos mas.

las canciones de este trabajo son:

Miracle man: Inicio arrollador donde desde un principio zakk wilde deja claro que pese a no tener experiencia con bandas de renombre, si madman le ha elegido para su banda es porque es un FUCKIN GUITAR HERO así, con mayúsculas, sucesiones de riffs, punteos vertiginosos me hicieron descubrir una nueva forma de tocar la guitarra, me encantaría tener conceptos musicales para poder nombrar de forma adecuada los efectos de este hombre que me hicieron volverme majara con su forma de tocar la guitarra. Como curiosidad destacar que esta canción esta dedicada, como una puya hiriente e irónica, a un teleevangelista llamado Jimmy Swaggart, critico con Ozzy y que fue pillado en un "turbio" asunto de prostitución.


Devil's daughter: Una de mis canciones favoritas de toda la discografía del madman, tema duro, directo, con un Wilde arrollador, vaya riff se nos marca y un solo frenético. Increíblemente para mi no se convirtió en un clásico de su discografía, pocos temas tiene tan potentes, la verdad.



Crazy babies: Se nota la mano de Daisley, es el tema más rockero de todo el disco. Coros femeninos y una forma guasona de cantarlo por parte de ozzy, bastante cachondo, la verdad.



Breaking all the rules: El tema más flojo del disco, no por ello es malo. El único tema que da la sensación de ser de relleno.



Bloodbath in paradise: Primero de los dos temas más "sabbath" que nos podemos encontrar en este trabajo. Perfecta ambientación e intro de teclados para dar paso a un riff brutal de wilde. Tema rápido y típico aire sabbath. Otra canción que no entiendo como es un clásico en la discografía de Ozzy.



Fire in the sky: Segundo de los temas "sabbath" a los que me refería anteriormente. Medio tiempo demasiado suavizado por la producción ochentera de olsen y cía. Estupendo tema de todas formas que ganaba muchísimo en directo.



Tattoed dancer: Increíble canción, rápida, dura que nos muestra a todo el grupo al máximo nivel. Ozzy cantando como nunca, Zakk desatado y la base rítmica una locomotora desbocada que nos llevan al punto álgido de este trabajo.



Demon alcohol: Otro tema rápido, donde Ozzy nos muestra que durante ciertos años si fue un buen cantante, Wilde sigue a lo suyo en este tema, completamente desatado, elaborando riffs vertiginosos y la base rítmica llevadores tanto a Ozzy como a Wilde en volandas.



Resumiendo, un trabajo muy bueno, de lo mejor de la discográfica del madman, pero injustamente olvidado, según mi criterio. La producción es exquisita, perfectamente realizada, combina la dureza de una banda como la de Ozzy con aquel sonido comercial de finales de los 80, dando protagonismo a u Ozzy en perfecto estado de forma y a un debutante, Zakk Wilde, tremendo a la guitarra, que acabaría por consagrarse definitivamente en el siguiente trabajo de Ozzy "No More Tears" y permanecería con Ozzy durante los próximos 22 años (ahí es nada) desarrollando de forma paralela una envidiable carrera en solitario y/o con Black Label Society, pero esa es otra historia amigos.


sábado, 5 de octubre de 2013

Por amor a la música: Black Dub "Black Dub" (2012)


Siguiente turno del juego por amor a la música y el músico-productor o productor-músico propuesto por nuestro compañero Vinni es un tal David Lanois. ¿Un tal?, pensaran mis compañeros de juego, "pero de donde ha salido este, que música escuchara" pensaran a continuación, no lo se pero por algún tipo de conjunción estelar tipo aquella de Zapatero y Obama se han dado unas circunstancias tales que hacen que no tenga ninguna referencia musical sobre dicho personaje. No voy a engañar a nadie, no soy fan de U2 ni de Dylan, opciones mas "sencillas" en un primer momento, ni de Neil Young ni de Peter Gabriel ni de nadie relacionado con David Lanois.

Lanois cuidando a Trixie
En estas me veo, y claro como me tengo que decidir por alguna opción (Never Surrender, que dirian Saxon) me dejo llevar un poco por mi instinto y asi a pelo, viendo la discografia extensa de este personaje, me decido por un trabajo suyo llamado Black Dub, realizado en el año 2012, "escuchemos algo de lo ultimo que ha hecho este señor" me dio por pensar.

Este proyecto es consecuencia de la union de David Lanois (guitarra,voces, piano), Brian Blade (batería), Daryl Johnson (bajo) y Trixie Whitley a las voces. La producción corre a cargo de David Lanois.
Este trabajo lo componen 11 temas que son:

  1. Love Lies
  2. I believe in you
  3. Ring the Alarm
  4. Last Time
  5. Surely
  6. Nomad
  7. Slow Baby
  8. Silverado
  9. Canaan
  10. Sing
  11. Sirens
Todos los temas estan compuestos por David Lanois salvo el cuarto tema "Last Time" compuesto por los cuatro componentes del grupo.
Hay que reconocer que este trabajo es una amalgama de estilos, desde el pop, soul, blues, rock, dub reggae, vamos un poquito de todo, la verdad que perfectamente ensamblado en la producción por Lanois.

Dejando un poco de lado temas como "Love Lies" o "Ring the Alarm" que no me dicen nada, la verdad, a mi me empieza a interesar este trabajo con la escucha de maravillas soul reggae como "I Believe in You"o el gran blues "Last Time", donde se puede disfrutar de esa base rítmica tremenda, adornada por la guitarra y arreglos de Lanois, mostrándonos a la gran protagonista, y gran descubrimiento para mi de este trabajo, nada mas y nada menos que a Trixie Whitley. No señores, no es de color, ni es oronda, entradita en carnes, que seria lo que primero que nos vendría a nuestra mente al escuchar esta maravilla de voz, sino mas bien todo lo contrario.

"Surely"es de lo mas comercial del disco, puro soul, hecho por y para la señorita Trixie.
En "Nomad" tenemos mas de lo comentado antes, toques reggae con pizcas de soul en los cuales los componentes de Black Dub se mueven como peces en el agua y nos llevan a los mejores momentos de este trabajo, tremendo tema.

Después de la instrumental "Slow Baby"entramos en el tramo final de este trabajo con tres joyas, empezando con "Silverado"un "ansiolitico" total, si no te relajas con esto, disfrutándolo a la vez, no tienes remedio, te lo aseguro, reggae, gospell, soul interpretado por Trixie de forma sublime.
"Canaan"puro gospell, da paso a "Sing" un blues donde Trixie y y Lanois nos regalan un bonito duelo vocal y para acabar la instrumental"Sirens".

Resumiendo, trabajo que después de varias escuchas me ha sorprendido, para bien, donde Lanois maneja los ambientes y los diferentes estilos con bastante maestría y dotando de mucha profundidad a los sonidos de este trabajo, la verdad que le da mucha alma, y donde por encima de todo predomina la voz de Trixie Whitley, autentica protagonista de este trabajo.


P.D: Investigando datos sobre este proyecto, he podido comprobar como varios componentes de este juego ya habían hecho recientemente post sobre "Black Dub". No he querido leerlos para no verme influenciado por ellos y no caer en el "plagio involuntario e inconsciente", estas son mis opiniones después de varias escuchas y una escueta recopilación de datos.