miércoles, 17 de diciembre de 2014

Por amor a la musica: Rick Allen.


Llego mi turno en PAALM y sin ninguna tipo de rodeo planteo la clave de mi propuesta semanal. Tendremos que hablar de músicos que tengan algún tipo de ausencia de miembros, total o parcial, de forma congénita o por accidente, vamos, mutilación.

Mi elección es la del batería de Def Leppard, Rick Allen, protagonista de una de estas historias que a mi, ferviente y fiel seguidor de la banda de Sheffield desde que los descubrí en el año 1981, me ha impactado y sorprendido sobremanera.

Allen entro a formar parte de unos primerizos Def Leppard a la temprana edad de 15 años, allá por 1978, reemplazando a un tal Frank Noon, batería original que solo grabo el primer y mítico EP de la banda llamado "Def Leppard EP" gracias al cual se encumbraron en lo mas alto del entonces recién nacido movimiento NWOBHM.

Ya con su primer trabajo "On Trough The Night", en el año 1980, la banda dejo claro que su intención era orientarse mas hacia el mercado americano que al europeo, lo cual se vio claramente en su sonido mas comercial y orientado mas al hard rock que al metal, lo cual les supuso graves diferencias con sus iniciales fans ingleses. Ese primer trabajo llamo la atención de un "tal" Robert John "Mutt" Lange, todopoderoso productor de AC/DC que accedió a producirles su segundo trabajo, "High ´n Dry" en 1981, que pese a tener menos ventas que su predecesor, tenia una canción, "Bringin´on the Heartbreak" cuyo video fue uno de los primeros en ser emitidos en la MTV y que le dio mucho reconocimiento en los States. Este álbum fue el que me engancho para siempre con esta banda, considerándolo un "imprescindible" dentro de los clásicos de los 80, el punto medio perfecto entre lo que eran unos AC/DC de la época y lo que posteriormente nos darían Def Leppard, convirtiéndose en una de las bandas punteras de la década.





Asi es como ya en enero del año 1983, después de cambiar a Pete Willis (Guitarrista), por problemas con el alcohol, por Phil Collen, hasta entonces guitarrista de la banda de Glam Rock, Girl, sacan al mercado su primer gran pelotazo comercial, el álbum "Pyromania"con el cual, desde su primer single "Photograph" comienzan a dominar el mercado estadounidense, llegando a vender 10 millones de copias de este álbum SOLO en los States.

Y en esta situación estaba la banda, en su punto mas álgido y deseado, cuando en la nochevieja de 1984, Rick Allen estaba conduciendo su Chevrolet Corvette dirigiéndose a cenar a su casa familiar de Sheffield cuando en un absurdo incidente (un pique en la carretera) con un Alfa Romeo, Rick pierde el control de su deportivo, vuela por encima de un muro, dando varias vueltas de campana, y llevando el cinturón de seguridad mal anclado, sale despedido del coche y pierde su brazo izquierdo como consecuencia del accidente. En un principio pudieron reimplantarselo, pero complicaciones posteriores, infecciones y demás provocaron que tuvieron que volver a quitárselo.
El mismo Joe Elliot, cantante de Def Leppard, se traslado esa misma noche al hospital, quedando profundamente impactado por el estado de shock en el que se encontró a Rick Allen.



La historia de este músico, que en circunstancias normales debería haber acabado con este fatal accidente, no hizo mas que comenzar de nuevo, dándonos una autentica lección de superación, por un lado y de compañerismo, por otro.

La historia de superación comenzo cuando acorto su periodo de recuperación y lejos de abandonar sus ganas de tocar la batería, su decisión fue la de seguir tocando con un solo brazo, inspirado y ayudado por el batería de Status Quo, Jeff Rich, con quien diseño un kit de batería con el que poder tocar. Esto, junto con la colaboración de la marca de barias electrónicas Simmons, hicieron posible el milagro.

La historia de compañerismo viene cuando el resto de la banda, lejos de dejarle de lado, y en pleno éxito comercial, pararon el tren hasta que Allen se recupero y pudo seguir tocando en la banda, sin ninguna tipo de merma comercial pues después aun vendrían pelotazos como el que dieron con su siguiente trabajo de 1987 "Hysteria" con mas de 20 millones de álbumes vendidos en todo el mundo, si bien, aunque no lo sabían, las desgracias no dejaran de cebarse con esta mítica banda, pero esa es otra historia.

PD. De regalo navideño este vídeo de Def Leppard con Taylor Swift, si esa "especie de petarda" para adolescentes, supuesta reinona del pop, pero que en este vídeo lo hace muy, pero que muy bien, que contoneos señores.


domingo, 14 de diciembre de 2014

Por amor a la musica: Ronnie Milsap.


Turno de Pupilo dilatado, "Pupi" que desde su fantástico rincón nos invita esta semana a los participantes de PAALM a hablar sobre músicos con ceguera total o parcial, dentro  de ésta difícil ronda sobre discapacitados varios.

Tal y como ha hecho el capo semanal, yo me decantado por alguien desconocido, hasta ahora, para mi, dejando de lado las opciones mas obvias y previsibles. Mi elección es la del músico de country-pop-soul, Ronnie Milsap.

Milsap es una leyenda del country en EE.UU., gracias a sus trabajos publicados en la década de los 70´s y 80´s, sobretodo, pero su carrera musical es mucho mas amplia que lo que nos pueda parecer.

Nacio en Robbinsville. Carolina del norte, un 16 de Enero de 1943 y destaco en las décadas mencionadas anteriormente por ser el primer artista country en fusionar este estilo con el pop, R&B y rock.

Sufrió de ceguera parcial desde su nacimiento, abandonado por su madre a los 5 años, fue criado por sus abuelos en la misma Carolina del norte. Durante su juventud perdido la poca vista que le quedaba a la vez que se incrementaba su interés por la música, viéndose altamente influenciado por artistas como Ray Charles, Little Richard, Jerry Lee Lewis y Elvis Presley. Ademas de interés, ya descubrieron sus profesores, que era un virtuoso de la música. Esto le llevo a principios de los 60 a formar parte de la banda del mismo J.J. Cale. esto fue el inicio de una primera época musical en la que ademas de realizar diversos singles, colaboro con artistas de la talla de Ray Charles, Stevie Wonder, Ashford&Simpson y James Brown, siempre en un segundo plano, siendo esta la "época oscura"  de R&B de un Milsap que siempre estaba en la sombra de otros.
Su carrera en solitario empezó en 1971, con un álbum llamado como el "Ronnie Milsap". Poco después se instalo en Nashville donde consigue impresionar al mismo Charley Pride y empiezo a trabajar con su  mismo manager, Jack D. Johnson, el cual le consigue un contrato con RCA Records en 1973, dando comienzo a su impresionante carrera como músico country.
Una muestra de sus inicios es este "Pure love", escrita con Eddie Rabbit, asi como su primer gran éxito, "Please don´t tell me how the story ends" con composición de Kriss Kristofferson, con la que gano su primer Grammy.





Así es como durante la segunda parte de los 70´s Milsap se convierte en una autentica estrella del country, así hasta los años 80, cuando da un giro camaleonico a su carrera, adaptándose a la moda del pop y AOR que empezaba a imperar y es el primer músico country en mezclar dichos estilos, arrasando en las listas con temas como ...




Entre los años 1985 y 1987 Milsap encadeno una serie de éxitos tales como "She keeps the home aires burning", "In love","Snap your fingers" o el dueto con Kenny Rogers "Make no mistake, she is mine" por el cual se llevo otro grammy.




Y así hasta su ultimo gran éxito, en 1992, "All is fair in love and war" junto a la guitarra de Mark Knofler. a partir de aquí la estrella de Milsap se fue apagando, dejando paso a una nueva generación de músicos country.



Milpap siguió haciendo música, perdiendo protagonismo popular pero siendo siempre reconocido y homenajeado por el mundo de la música americana.

domingo, 7 de diciembre de 2014

Por amor a la musica: Nelson Ned "El pequeño gigante de la cancion"


Nueva ronda PAALM en la que el Master Forrest le da una revuelta un poco "jodidilla" al juego con su propuesta, no solo de esta semana , sino también de las venideras en los que los demás participantes pondremos sobre el tapete nuestra correspondientes propuestas. Toca hablar de músicos con algún tipo de discapacidad y el empieza con la poca estatura o enanismo.

Mi primera opción iba a ser Chick Webb, pero me he dado cuenta antes de empezar que Vinny se me ha adelantado, así que he cambiado de propuesta y este cambio me ha llevado a descubrir la figura de Nelson Ned D'avila Pinto, cantante brasileño de música latina, melódica, mas concretamente de boleros, baladas y música cristiana.

Nació en Una, Brasil, un dos de marzo de 1947 y falleció este mismo año, 2014, el cinco de enero.
Nació con el tamaño de un bebe normal pero con una condición llamada displacía espondilo-epifisiaria, lo que comúnmente llamamos enanismo. Solo llego a medir 1,12 m. de estatura.
Ya a los catorce años se empezó a presentar a los diversos programas de canto de la época en brasil, alcanzando cierta notoriedad. No realizo su primera aparición televisiva hasta los 14 años.
Ya en la década de los 60, gracias a sus interpretaciones y producciones (escribió canciones a gente como Moacir Franco, Ismael Miranda y Matt Monroe) se convirtió en todo un fenómeno, llenando estadios y teatros. Se presento en varios certámenes de la época como festivales de la canción iberoamericana y similares.
En los 70 su fama fue aumentando, llegando a ser conocido en los mismos EE.UU. donde fue el primer artista de América latina en llegar a vender un millón de discos, alcanzando su auge con la canción "Happy Birthday, my darling".

En 1993 se convirtio al cristianismo, dando un giro radical a la temática de su música, centrándose mas en la música cristiana, gospel, canciones espirituales que expresaban su fe cristiana.

Se retiró de la canción habiendo llegado a vender 50 millones de discos en todo el mundo, ganando abundantes discos de oro y platino y una discográfica de 38 álbumes, que le hicieron digno de llamarse "el pequeño gigante de la canción". 



lunes, 1 de diciembre de 2014

Por amor a la musica: Jeff Martin




Ultima ronda de este turno de PAALM en la que Carlos desde su "Motel Bourbon" le da un giro a la clave alrededor a la cual teníamos que hacer nuestro post semanal. Propone hablar de un músico que haya tocado dos instrumentos diferentes en desbandas distintas de distintos estilos. Mucho "distinto", pero bueno, no parece haber nada imposible para esta banda de locos melomanos.

Siendo rápidos y concretos, mi propuesta es la de un "desconocido" músico norteamericano llamado Jeff Martin, del cual yo pensaba que habría mas datos de su biografía pero no, no es así.

Quizas alguno de vosotros os suene de algo cuando nombre mis dos grupos, que si bien no son completamente antagónicos entre si, si espero que sean lo suficientemente distintos como para que sea valido mi post.

El primer grupo elegido por mi es Racer X, supergrupo nacido en el año 1984 de la mano de Paul Gilbert (Mr. Big) y bajo el auspicio del entonces todopoderoso Mike Varney, dueño de Shrapnel récords, mentor de toda una generación de alucinantes guitarristas americanos como Yngwy Malmsteen, vinnie Moore, Tony Mcalpine, Eric Gales, Jason Becker, Marty Friedman y/o el propio Gilbert.





El estilo de este grupo es una mezcla de Heavy metal y Speed metal lleno de virtuosismo, aspecto que se hace notar en cuanto ves quienes componen este grupo. En mi álbum elegido, "Superheroes", que es el cuarto álbum, del año 2001, la banda la componen:

  • Paul Gilbert: Guitarra
  • John Alderete: Bajo
  • Scott Travis: Bateria
  • Jeff Martin: Voces
Ademas de la colaboración, tanto a la guitarra como en las mezclas de otro genio de las seis cuerdas llamado Bruce Bouillet, antiguo miembro de la banda.



La otra banda elegida es Badlands, la fenomenal banda de principios de los 90 creada por el ex-guitarrista de Ozzy Osbourne, Jake E. Lee, donde Jeff Martin, en el segundo álbum llamado Voodoo Highway, toca la batería, sustituyendo a Eric Singer.



Voodoo Highway es un magnifico trabajo, puro blues rock, 100% "seventees", una de las joyas de esa época. Jeff Martin entro en Badlands por amistad con el bajista Gregg Chaisson con quien toco en sus inicios en la banda Surgical Steel. Lastima que esta banda no fue a mas por encontronazos entre sus dos súper-egos, Jake E. Lee y el inolvidable Ray Gillen, mítico vocalista.


viernes, 21 de noviembre de 2014

Por amor a la musica: Ritchie Blackmore.


Turno de Vinny en PAALM y nos propone como instrumento clave la guitarra, así pues tenemos que elegir guitarrista que haya tocado en dos grupos de estilos antagónicos. Tras pensármelo un poco y estar a punto de coincidir en mi elección con el master Forrest-Tsi, he preferido ir a lo seguro, dentro de mis posibilidades, y elegir a un tal Ritchie Blackmore.
A la hora de explicar los dos grupos de estilos antagónicos en los que ha desarrollado sus habilidades mi querido Ritchie Blackmore me voy a tomar la licencia de utilizar dos antiguos post míos en los que se matizan como es cada uno de estos trabajos de forma mas extensa y detallada.

Hablar o comentar algo sobre Blackmore es, por un lado, fácil porque es un personaje altamente conocido por cualquiera que se acerque por este rincón de la blogosfera, y por otro lado complicado, pues poco o nada se puede añadir a lo que ya todos sabemos.



La carrera de Ritchie Blackmore se ha desarrollado "solo" en cuatro grupos, The Outlaws, Deep Purple, Rainbow y Blackmore´s Night.

En Deep Purple se convirtio en la leyenda que es hoy en día, poniendo las bases de lo que mas tarde seria llamado Heavy Metal siempre dentro de una convivencia convulsa con sus compañeros de grupo, considerados por mi tan o mas genios musicales que el propio Blackmore.

Después formo y moldeo esa gran banda llamada Rainbow a su antojo, se rodeo de grandes músicos que supieron o pudieron mostrar toda esa magia y virtuosismo que el gran guitarrista llevaba dentro. El siempre hizo la música que le daba la gana y hacia y deshacía grupo y cambiaba de estilos musicales siempre en base a sus caprichos de genio.


Sorprendió a todos orientando Rainbow hacia el AOR Americano después de bombazos como "Rising" O "Long Live R&R", rompiendo una de las mas grandes bandas de heavy Metal o Hard rock que hallamos podido disfrutar, se hecho encima a un buen número de fans que no lo entendieron, pero eso a el le daba igual pues siempre buscaba satisfacer sus exigencias creativas, crear la música que le venia en gana.

Volvió con Purple en los 80, hizo grandes trabajos, pero las tensiones internas en el grupo no desaparecían y después de una intentona de volver a formar Rainbow dio un giro a su carrera allá en el año 1995 que dejo KO a toda la comunidad rockera de la época, sumida en la gran depresión de la era grunge. Este giro le llevo hacia un mundo musical "folk renacentista medieval" arrastrado por su amor hacia la figura de una rubia llamada Candice Night, una de las rubias mas odiadas de las ultimas dos décadas por este que escribe (Y es difícil que odie a una rubia, os lo aseguro).

Desde entonces tenemos a una de las figuras clave de la historia de la música rock perdida en este mundo de bandurrias, violines, leotardos de colores y panderetas, mientras toda su leyenda y su legado en la música rock se va difuminando, permaneciendo solo en las estanterías de cuatro nostálgicos de los 70-80´s que ven pasar los años, ven caer grandes figuras de la música y siguen teniendo falsas esperanzas de un regreso por la puerta grande de este "Mago del arco iris"

Por si alguien no tiene ni idea de todo esto de lo que estoy hablando aquí os pongo un enlace a una de mis elecciones, El "Live in Munich" de Rainbow, clara muestra del Blackmore que me atrapo para siempre y otro enlace en el que explico su relación con Candice Night.

Y como muestra de mis palabras:


viernes, 14 de noviembre de 2014

Por amor a la musica: David Rosenthal.


Siguen corriendo las rondas de PAALM en este su turno, Bernardo, desde "Mi Tocadiscos Dual" nos propone organistas que hayan tocado en grupos antagónicos entre si, deleitándonos con la historia de Peter Bardens, componente de Camel.

Mi elección para esta ronda es la del teclista, productor y letrita, David Rosenthal.

Rosenthal, desde que se graduó en la afamada Berklee College of Music de Boston ha sido muy demandado por su exquisita técnica, precisión, creatividad y capacidad de orquestación por artistas muy de muy distintos ámbitos musicales.
Asi se puede decir que ha trabajado con artistas tan dispares como Billy Joel, Bruce Springsteen, Elton John, Enrique Iglesias, Robert Palmer, Steve Vai, Yngwie Malmsteen, Dream Theatre, Cindy Lauper y Little Steven, por ejemplo, siendo especialmente reconocido por su trabajo con la banda de rock progresivo "Happy The Man" donde da rienda suelta a su capacidad compositiva y de producción.

Además ha participado en varias obras de Broadway con sus programaciones de sintetizadores, como en la obra "Historia de dos ciudades" y en diversos programas televisivos estadounidenses de fama mundial junto a David Letterman, Jay Lenon, Conan O´brian o Ellen DeGeneres.


Los dos grupos de los que ha sido miembro Rosenthal y que se pueden considerar antagónicos entre si, son, por un lado, Rainbow, junto al gran genio de la guitarra Ritchie Blackmore y por otro, la banda de Billy Joel, en la que esta desde mediados de los 90, encargándose de todo los temas relacionados con los teclados, piano, órgano y dirección musical.

David es el segundo de la izquierda.
De Rainbow he elegido la que fue su despedida de la época dorada de los 80, el mejor trabajo de su carrera y el que mas desapercibido paso, probablemente, el álbum de 1984 "Bent out of shape". Este fue el segundo álbum en el que participo Rosenthal junto a Rainbow, el primero fue "Straight Between The Eyes", banda a la que llego en 1982 a sustituir nada mas y nada menos a Don Airey, siendo la primera gran banda en la que tocaba con tan solo 19 años y encandilando al raro de Ritchie ademas de al grueso de fans de la banda. El sonido de Rosenthal fue clave en el nuevo giro, mas orientado hacia el AOR que le dio Blackmore a Rainbow durante estos años, y clara muestra es el bestial trabajo a los teclados en "Bent out of shape". ¿Quereis disfrutarlo?




Y de su primera gran banda pasamos sino a la ultima, si a aquella en la cual mas tiempo ha desarrollado sus labores y mayores reconocimientos ha recibido, que no es otra que la banda del gran Billy Joel, banda a la que pertenece desde mediados de los 90. Curiosamente Billy Joel se retiro, o mas bien dejo de sacar nuevos trabajos, en 1993, dedicando su carrera musical desde entonces a hacer giras de grandes éxitos y a reeditar antiguos trabajos con la inestimable ayuda de Rosenthal, figura mas que destacada tanto a nivel de giras como de reedición de álbumes clásicos desde su faceta de productos. Mi trabajo elegido de Billy Joel es "12 Gardens Live" del año 2006, que recoge grabaciones realizadas a lo largo de una serie de conciertos en el Madison Square Garden de NY a finales de 2005. Este álbum es considerado por la critica como el mejor trabajo de Joel en los últimos 20 años,lleno de fuerza y de genio por el cantante, toda una sorpresa vamos.



miércoles, 5 de noviembre de 2014

Por amor a la musica: Alejandro Gonzalez Trujillo y sus tambores.



Llego mi turno, en esta tercera ronda de PAALM, y me toca proponer un instrumento clave con el cual elegiremos un músico que lo halla tocado en dos grupos musicalmente antagónicos. El instrumento elegido es la batería, mas concretamente batería y percusiones, por dar un abanico mas amplio a las posibilidades de mis compañeros de juego. El músico elegido por mi es Alejandro Gonzalez Trujillo, así a botepronto quizás mucho de los que leáis este post no sepáis quien es pero si os digo que es el batería de Maná ya la cosa cambia, me imagino.
Alejandro Gonzalez nació en Miami un 24 de Febrero de 1969, hijo de padre colombiano y madre cubana, lo cual ya le predestino a estar poseído y tener el don del ritmo y el groove. Su afición por los tambores y similares le viene ya desde pequeñito, desde los cuatro años. Esta vocación temprana fue la que le llevo a incorporarse al grupo Sombrero Verde, germen de lo que poco mas tarde seria Maná, con solo 15 años, en el año 1984. Ahí comenzó su larga y dilatada andadura siempre como miembro fundador del archiconocido grupo Maná, grupo insignia del pop-rock latino. La carrera de Maná es extensa, demasiado como poder resumirla en este post, solo lo voy a nombrar por ser uno de los dos grupos antagónicos en cuestión.
Alejandro, mas conocido como Alex Gonzalez "El animal" siempre considero sus mayores influencias musicales a Ringo Starr (verle por primera vez le metió el gusanillo de la batería), Neil Peart, Peter Criss, Alex Van Halen, Terry Bozzio, Stewart Copeland, Keith Moon y Jason Bonham, casi nada. Es curioso que casi todos estos músicos provengan del hard rock y ninguno del mundo rítmico latino. Siempre Alex me pareció el máximo exponente de la etiqueta rock que pudiera tener Maná, como así pude comprobarlo hace muchos años en un directo suyo, donde la exhibición que dio a la batería me sorprendió muy gratamente.

Este faceta mas orientada hacia el hard rock se ve ampliamente superada en mi segundo grupo elegido por mi, en el que milita Alex, que se llama "De la Tierra". 


De la Tierra es una idea que alla por 2004 se empezó a gestar en las mentes de Alex Gonzalez y de Andres Gimenez, vocalista de A.N.I.M.A.L. y D-Mente y que no se llevo a cabo hasta el año 2012 cuando junto con Andreas Kisser, guitarrista de Sepultura, y Flavio Ciancirulo, bajista de los Fabulosos Cadillacs, dando nombre y forma a esta banda. el nombre de la banda se le ocurrió a un Kisser plenamente involucrado en este proyecto.


En septiembre del 2013 sacaron el primer single "Maldita Historia" para posteriormente, en Enero del 2014 publicar su primer y único álbum hasta el momento. El estilo musical es un compendio de Heavy Metal con toques de Groove metal y detalles industriales, donde estos cuatro magníficos músicos encajan a la perfección, letras reivindicativas, con mucho sentido y una exhibición instrumental por parte de Kisser, Ciancirulo y, por supuesto Alex Gonzalez, en unos registros completamente antagónicos a cualquier trabajo con su banda Maná. Ahora señores abran juego, es su turno.

domingo, 2 de noviembre de 2014

Por amor a la musica: German Coppini.


Segunda ronda de PAALM en la que Pupi nos propone como clave vocalistas, dentro de esta complicada propuesta que nos lanzo Forrest la semana pasada.  Pupi nos habla del multifacético Mike Patton en un espléndido y recomendable post.
En situaciones como estas me doy cuenta de lo cerrado que he estado siempre en mis gustos musicales, siempre sota, caballo y rey. Un poco de hard rock, un poco de heavy metal, luego evoluciono al rock sureño, americano, country, últimamente algo de música house o dance (?se sigue llamando así? ja, ja, ja), no se, el caso que me encuentro ante una ronda de muchísima dificultad para mi. 
Dandole mil vueltas al tarro me llega la imagen de un músico que nunca fue mucho de mi agrado y al que siempre respete y que me iba a sacar las castañas del fuego y no es otro que el bueno de German Coppini, que desgraciadamente nos dejo el 24 de diciembre del pasado año como consecuencia de un cancer de hígado.

Los grupos elegidos por mi, en los que participo Coppini, de estilos claramentes diferentes son, como no, Siniestro Total y el ultimo grupo en el que se vio inmerso, de nombre Lemuripop, entre el año 2007 y 2012. Entre medio tuvo, durante los 80 su gran grupo que fueron, Golpes Bajos.

La carrera musical de Coppini comenzó a principios de 1980 cuando formó junto con Miguel Costas a la guitarra y Julián Hernández a la batería el grupo amateur Coco y los del 1.500, en el que él hizo de vocalista. Entre finales de agosto y principios de septiembre de 1981 sus compañeros cambiaron el nombre de su otro grupo, que compartían con Alberto Torrado, Mari Cruz Soriano y los que Afinan su Piano, por Siniestro Total, y ante la necesidad de un vocalista, disuelven Coco y los del 1.500 e incorporan la voz de Germán al nuevo grupo.
Entre otoño de 1981 y primavera de 1983 formó parte de Siniestro Total, con el que editó en junio de 1982 el EP "Ayudando a los enfermos", en noviembre el LP ¿Cuándo se come aquí? y en febrero de 1983 el single "Sexo chungo/Me pica un huevo".

  En febrero de 1983 recibió un botellazo en la pierna mientras estaba actuando con Siniestro en la Sala Zeleste en Barcelona, lo cual le obligó a ingresar por unas semanas en el hospital, durante las cuales se planteó seriamente su continuidad en el grupo. Tras salir del hospital, contactó con su compañero de instituto Teo Carralda, con el que formó un dúo, en principio tan solo un pequeño proyecto paralelo a Siniestro Total, con el nombre de Golpes Bajos; de modo que compaginó su actividad en los dos grupos tocando de lunes a viernes en Siniestro y los fines de semana en Golpes, cuya actividad consistió al principio nada más que en grabar versiones de The Who.

  Pero el momento decisivo llegó cuando con este último grupo envía algunas canciones para participar en el concurso de maquetas de la revista Rock Espezial (que actualmente se denomina Rockdelux) y ganaron el primer premio. Poco después y debido a este éxito, Golpes Bajos apareció en el programa La edad de oro de Televisión Española, presentado por Paloma Chamorro; Germán no dijo que también pertenecía a Siniestro Total, hecho que hizo que el resto de componentes del grupo se molestaran.

Así pues, Germán y Teo buscaron a dos instrumentistas más para su grupo; encontraron a Pablo Novoa y Luis García, y en abril de 1983 Germán abandonó definitivamente Siniestro Total.

El caso que su único trabajo con Siniestro Total, "Cuando se come aquí" es un clásico entre los clásicos de la música española, punk rock facilon de letras irreverentes, frescas, sin complejos ni tapujos, algo que se hecha de menos hoy en día. La voz de Coppini es inconfundible, siempre fue muy personal y marco todos los trabajos en los que participo, incluido mi segunda propuesta, su ultimo grupo llamado Lemuripop, música electrónica con matices de pop sobre la cual poco mas me puedo dignar a comentar algo.

La semana que viene llevo yo el mando en el juego, el miércoles como un clavo aquí estaré, ahora a devanarme los sesos, a ver que propongo.



lunes, 27 de octubre de 2014

Por amor a la musica: John Taylor, de Duran Duran a Neurotic Outsiders.



Nueva ronda de PAALM en la que el Master Forrest nos lo pone bastante mas dificil, al tener que hablar de un músico, bajista en este caso, que sea excelente músico y haya desarrollado parte de su carrera en grupos de estilos antagónicos entre si.

 Después de darle vueltas mi elección es la del bajista británico John Taylor, cuya biografía resumida es la siguiente:

Nigel John Taylor (20 de junio de 1960), bajista de Duran Duran, es considerado uno de los bajistas más destacados del Reino Unido. Creció y se desarrolló en la ciudad de Birmingham.
Siempre se declaro fanático de la banda de pop glam Roxy Music.

 Comenzó su carrera en la misma Birmingham, a principios de los 80 y a pesar de que su fama mundial durante los 80 y mediados de los 90, viene de Duran Duran, también fue parte de reconocidas agrupaciones como "The Power Station" (con Robert Palmer, Tony Thompson y Andy Taylor) "The Neurotic Outsiders" (con Steve Jones de los Sex Pistols y Duff McKagan y Matt Sorum de Guns N' Roses) y su más reciente "Terroristen".


 Tras abandonar Duran Duran a finales de los 90, volvió en 2002 a reunirse con toda la formación original para grabar el ábum "Astronaut" (2004), al que siguió una gira mundial. Tras la marcha del guitarrista Andy Taylor por diferencias creativas con el resto de la banda, volvió a los estudios con Duran Duran y el productor de hip hop Timbaland para grabar el disco "Red Carpet Massacre" (2007), que también incluye la colaboración de Justin Timberlake, y que lanzaron con una serie de conciertos en Broadway. A finales de 2008, John Taylor y Duran Duran se encontraban en las últimas fechas de la gira mundial de "Red Carpet Massacre" por Suramèrica. En diciembre de 2010, la banda lanzó su álbum de estudio numero 13 llamado,"All You Need is Now" en su propio sello discográfico, Tapemodern.

Las dos bandas de estilos completamente diferentes elegidas por mi son Duran Duran y Neurotic Outsiders.
Como ejemplo de la primera tenemos el video del primer gran éxito del primer trabajo de Duran Duran, ("Duran Duran"), del año 1981, llamado "Girls on Film", canción de marcado carácter New Wave y neo-romantico, estilo que empezaba a arrasar con grupos como ABC y Spandau Ballet en aquellos primeros 80, siendo los máximos exponentes del fenómeno fan.



Como contrapartida os propongo el grupo Neurotic Outsiders, que sacaron un único trabajo al mercado el año 1995, llamado como el mismo grupo, "Neurotic Outsiders" donde junto a gente tan distinta a los miembros de Duran Duran como, Steve Jones (Sex Pistols), Duff McKagan y Mat Sorum (Guns And Roses), lanzaron un trabajo realmente espléndido, un homenaje al punk Rock en aquellos baldíos años 90 donde el grunge nos lleno de confusión y desolación a los aficionados del Hard Rock ochentero.






Pd. llevo dos semanas publicando al limite de la sirena, pido perdón al resto de compañeros por no haber podido comentar sus post, de momento. En cuanto pase esta temporada tan estresante volveré a la "normalidad", espero que sea cuanto antes.

lunes, 20 de octubre de 2014

Por amor a la musica: Vandenberg "Heading for the storm" (1983)


Por los pelos llego a esta ronda de PAALM, en la que Carlos, desde su blog Motel Bourbon, nos propone, en esta ultima ronda dedicada los animales y portadas, el tiburón como animal clave.

La verdad es que lo tenia claro desde el primer día, pese a mi tardanza, y mi elección es el segundo álbum de la banda holandesa Vandenberg, llamado "Heading for the storm" donde lucen la portada tres ilustres escualos en perfecta fila india circulando por una desértica carretera.

Vandenberg fueron una banda que realizo únicamente tres trabajos y estaba formada por: 
  • Bert Heerink, Voces.
  • Dick Kemper, Bajo.
  • Joss Zoomer, Bateria.
  • Adrian Vandenberg, Guitarras.


La banda giraba alrededor de la figura del guitarrista Adrian Vandenberg, el cual se encargaba de las letras y composición de todas las canciones de este álbum.

El nombre de Adrian Vandenberg sera familiar para todos aquellos seguidores de "la serpiente blanca", pues fue el guitarrista que sustituyo a John Sykes en la gira del exitoso álbum "1987", y participo en la composición del siguiente álbum de Whitesnake "Slip in The Tonge" donde no pudo tocar debido a una inoportuna lesión en los tendones de una mano, teniendo que dejar todo el protagonismo de sus canciones a Steve Vai.

El album elegido consta de 9 temas que son:
  1. Friday Night
  2. Welcome to the club
  3. Time will tell
  4. Different Worlds
  5. This is War
  6. I´m on fire
  7. Heading for the Storm
  8. Rock On
  9. Waiting for the Night
Las canciones son una mezcla de los Rainbow de aquella época (la de Joe Lynn Turner) y de Foreigner, hard rock con toques de AOR, donde destaca sobre todo la guitarra de Vandenberg.

No es mi disco favorito de la banda, el tercer y ultimo álbum, "Alibi" es bastante mejor tanto en composiciones como en producción. 


sábado, 11 de octubre de 2014

Por Amor a la Musica: Deep Purple "Stormbringer" (1974)


Pese a ser Deep Purple uno de mis grupos favoritos, mi forma de llegar a ellos, no fue directa, sino mas bien de adelante hacia atrás, temporalmente hablando.
 Para mi, David Coverdale era el cantante de voz profunda, húmeda y lujuriosa de una grandísima banda llamada Whitesnake, Jon Lord era el mago de los teclados, también de Whitesnake, que me enloqueció la primera vez que escuche "Lay Down" en el imprescindible "Live... In the heart of the city", Ian Paice era el batería, primero de los "snakes" y posteriormente de la banda de Gary Moore en el álbum "Victims of the future", Glenn Hughes era un mito, un ente que en los primeros 80 hacia trabajos con cuentagotas, inmerso en su infierno particular de las drogas, que llego a mi gracias al programa de radio 3 "Rompehielos" y su espléndido conductor, Carlos Pina. El día que tuve el álbum "Hughes-Thrall" en mis manos me rendí, de por vida, al bueno de Glenn. Y el gran Ritchie Blackmore siempre fue y será para mi, en primer lugar, el alma mater de Rainbow, el guitarrista con mayúsculas, el definitivo.
Dentro de la escasa información que me llegaba en esos primeros 80, en la biografía e historias relativas a estos músicos siempre aparecían reseñas al mítico grupo llamado Deep Purple, pero no fue hasta su reunificación en el año 1984, cuando consiguieron empezar a llenar mis estanterías con sus trabajos, primero con los diversos álbumes que sacaron a lo largo de la década de los 80 y acabando con sus obras de arte de los 70´s. Y el ultimo álbum en llegar a mis manos fue el que he elegido para esta ronda de PAALM en la que el gran Vinny nos propone como animal con presencia en la portada a elegir, el caballo, bien en su forma natural o mitológica.



Mi elección es el noveno álbum de Deep Purple, llamado "Stormbringer" del año 1974, álbum con el que se dio por finalizado el MKIII de la formación, pues Richie Blackmore abandonaría al año siguiente la banda para formar Rainbow. Este crucial abandono no fue repentino, se venia mascando desde dos años antes y se percibe de forma especial y significativa en mi elección de esta semana.

Este es un álbum, a mi criterio, fantástico, un tapado de lujo en la discográfia de los purple. Por las circunstancias que he comentado antes, además de discrepancias musicales de Ritchie con el nuevo rumbo que le dan a la banda, Coverdale y Hughes, que se hacen con el timón del barco de forma brillante y de problemas personales del propio Blackmore (separación matrimonial), la presencia de Ritchie a lo largo de este trabajo no es tan notoria como en anteriores trabajos.

Pese a eso, tenemos trallazos como "Stormbringer" o "Lady Double Dealer", los temas mas "hard rockers" del álbum, donde Blacmore nos deja muestras de lo que seria su posterior carrera con Rainbow, son los temas mas clásicos de este álbum. Los cambios de perciben en temas mas tranquilos mas "Blues-Soul"como son "Love don´t mean a thing", "Holy Man", el funk de "Hold On" y "You Can´t Do it Right". En "Highway Shooter" se perciben aires de los futuros Whitesnake, vamos, es un tema Coverdale al 100%.

Y finaliza el album con "The Gipsy" y "Soldier of Fortune", dos joyas, la primera de ellas llena de epica y sabor purple al 100% y la segunda una balada de las que hacen época, afortunadamente recuperada, años después por Coverdale para sus Whitesnake. En todo el álbum la banda roza la perfección, todos los miembros están a un nivel excelente, solo el pero de que a Ritchie se le note un poco fuera de lugar, pero musicalmente esta magnifico, lo mismo que el resto de banda.

Resumiendo, estamos ante un disco menospreciado en su momento, pero que para mi es una autentica obra de arte. Nunca me gustó comparar las distintas épocas de grandes bandas como los Purple, creo que esas épocas se complementan, a unos nos gustara mas unas que otras pero eso no significa que haya épocas mejores o peores, al fin y al cabo estamos hablando de bandas eternas, inmortales, musicalmente hablando.








jueves, 2 de octubre de 2014

Por Amor A La Musica: Budgie "You Are All Living in Cuckooland" (2006)


Turno de Bernardo del blog "Mi tocadiscos dual" en el juego PAALM y he de reconocer que su originalidad y vueltas de tuerca a las que nos tiene bien acostumbrados en este juego me daba mas "miedo que un nublao", pero mira por donde su propuesta semanal, portadas con pájaros tropicales, me ha resultado mas sencilla de lo que en un principio podía parecer y sin irnos a "ritmos calientes" que no son habituales por esta casa, la verdad.

Mi elección es la del grupo galés, mas concretamente de su capital Cardiff, Budgie. Budgie eran un grupo de heavy metal progresivo que desarrollo su carrera durante la década de los 70 e inicios de los 80 llegando a alcanzar bastante éxito gracias, sobretodo a sus cinco primeros trabajos, considerados de culto e imprescindibles para todo buen aficionado al Heavy Metal. Su linea musical estaba cercana a Black Sabbath pero con mas melodía y tintes progresivos, si cabe. Fueron un grupo precursor y básico en el desarrollo de la NWOBHM.

A mi, esta época me pillo demasiado joven y he de reconocer que la primera vez que escuche una canción suya fue en el álbum de versiones de Metallica "Garaje Inc." donde tocan la canción "Breadfan". la verdad que fue hasta hace bien poco tiempo cuando adquirí su primer trabajo "Budgie"  (1971)y el álbum "Power Supply" (1980) y la verdad que no consiguieron llamar mucho mi atención.

Burke Shelley
Sin embargo, gracias a este juego, he vuelto a escuchar a Budgie, mas concretamente su ultimo trabajo y mi eleccion de esta ronda, "You are all living in Cuckooland" del año 2006 y me tiene fascinado y sorprendido. La verdad que desconocía la existencia de este trabajo pues para mi que Budgie no hicieron nada después de su separación en el año 1982 pero en cuanto vi la portada (tremenda) y le di una escucha, tenia claro que Budgie eran mi tabla de salvación "metálica" ante el reto de Bernardo.

Después de 24 años desde que se separaron Budgie, el cantante, bajista y fundador del grupo, Burke Shelley reorganiza a la banda junto al antiguo batería de la banda, Steve Williams y al multifacético guitarrista, productor, cantante y letrista Simon Lees a las 6 cuerdas.

El resultado es realmente sorprendente, no nos encontramos ante unos músicos que sacan un álbum clon de lo que hacían tres décadas antes sino que nos ofrecen un álbum con sonidos nuevos, arriesgados, variados y llenos de matices, un gran tesoro del prog rock o heavy prog o como se le quiera etiquetar.

El album se compone de 10 temas que son:

  1. Justice
  2. Dead men don´t talk
  3. We are all living in Cuckooland (Shelley)
  4. Falling
  5. Love is enough (Shelley)
  6. Tell me tell me
  7. (Don´t want to) find that girl
  8. Captain (Shelley)
  9. I don´t want to throw you
  10. I´m compressing the comb on a cockerel´s heard
Todos los temas están compuestos por Shelley y Lees, salvo los temas 3, 5 y 8, obras de Shelley.

Tenemos riffs diabólicos que nos muestran la esencia de esta banda en temas como "Justice", "Dead men dont´t talk" y "I don´t want to throw you", ritmos de funk rock en "Falling", temas acústicos deliciosos entre los que destaca la bella "Captain", hard rock de kilates como es "(Don´t want to) find that girl" y todo envuelto en un sonido actual que hace de este trabajo una joya por descubrir.

Después de publicar este trabajo Budgie estuvo girando por todo Europa, con Craig Goldy a la guitarra en sustitución de Simon Lees, hasta que en 2010 se le diagnostico a Burke Shelley una aneurisma, teniendo que ser operado lo que le impidió de forma definitiva cantar y tocar el bajo, lo cual supuso el fin definitivo de la banda, una pena, visto este espléndido trabajo.

















miércoles, 24 de septiembre de 2014

Por Amor a La Musica: The Vintage Caravan "Voyage" (2014)


Dentro de esta visita melómana que estamos realizando en este imaginario zoo que nos hemos montado los integrantes del juego PAALM me toca hoy hacer de guía y les invito a todos a visitar la zona en la cual se encuentra el animal que va a ser mi propuesta de esta semana que no es otro que el oso. Así pues, en esta ronda tendremos que hablar de trabajos musicales en cuyas portadas haya uno o varios osos, bien sean de peluche, de verdad, de gominolas de lo que queráis, pero que sean osos.

Mi elección con la que abro el turno son un grupo nuevo llamado The Vintage Caravan y mas concretamente su segundo trabajo, de este mismo año, llamado "Voyage". Llamarle segundo trabajo no seria lo mas exacto pues es una reedición de su primer trabajo que solo fue publicado en el año 2012, en su Islandia natal. La reedición corre a cargo de la compañía Nuclear Blast por la que ficharon después de ver en ellos todo el potencial que atesoran.


Lo que este "Power trio" ofrecen lo dejan claro ya desde su propio nombre al incorpora la palabra "Vintage". No es nada nuevo, su música es puro Blues -rock, Stoner, Psicodelia, estilos que últimamente nos llegan en cascada desde el norte de Europa gracias a grupos como Blues Pills, Kadavar y Graveyard por nombrar algunos. Lo realmente a destacar de este grupo es su insolencia, frescura y virtuosismo a la hora de afrontar un estilo tan rígido como es el que nos ofrecen. Son jóvenes, muy jóvenes, como puede apreciarse en los vídeos, pero transmiten a la perfección el espíritu de la música que ofrecen, creen en lo que hacen y la sienten como si la hubieran mamado en los años 60-70.




En este trabajo tenemos 9 joyas del estilo, todas y digo todas son excepcionales, una mezcla de Led Zeppelin y Black Sabbath con toques de Blue Cheer y Cream, canciones que de repente se desmadran  para convertirse en autenticas Jam Sesions donde estos tres querubines nos dan lecciones instrumentales de rock clásico de muchos kilates. A mas de uno le parecerá mas de lo mismo pero a mi la verdad que me han entusiasmado, tienen algo que otros grupos de propuestas musicales similares no me han dado, no se, quizás ese punto anárquico que comentaba antes, esa insolencia, frescura. Para mi uno de los discos de estar año 2014, sin ninguna duda y un grupo muy a tener en cuenta en el futuro.

Destacaría los temas "Expand your mind", "M.A.R.S.W.A.T.T.", "Cocaine Sally" Y "Midnight Meditation" autenticos trallazos y si quereis temas acusticos tambien los hay, escuchad "Winterland" y "Do You Remember" y alucinad. Y como guinda final si quereis un tema largo, epico, lleno de matices a descubrir saboread el tema "The King`s Voyage", una pasada.

Ahora señores, a la búsqueda del oso, hagan juego.



THE VINTAGE CARAVAN son:

Oskar Logi – Voz, Guitarra
Pall Solmundur – Voz, Bajo
Guojon Reynisson – Batería



 



jueves, 18 de septiembre de 2014

Por amor a la musica: Mott The Hoople (1969)


Seguimos de ronda en este zoológico musical al que nos invito la semana pasada "el Master Forrest" y esta semana la propuesta parte desde Pupilandia y nos manda de cabeza al la zona del reptilario, para hablar de algún álbum/CD en cuya portada aparezca algún reptil, dejando de lado culebras, serpientes y demás ofidios, lo cual me parece bien pues hace que la búsqueda y los resultados sean mas gratificantes y complicados.

Mi elección de esta semana es el primer trabajo del grupo británico Mott The Hoople del año 1969 y en la portada, replica a color de una litografía del artista holandés M.C. Scher llamada "Reptiles", aparecen una banda de pequeños cocodrilos que hacen buena mi elección.

Comencemos haciendo un poco de historia, Mott the Hoople es uno de los grupos de finales de los 60 e inicios de los70 que mejor representa el enlace estilístico y cronológico entre el beat inglés de los años sesenta y el punk rock de los tardíos años setenta.

 En la edad de oro del glam-rock, fue de los pocos que conservaron un auténtico espíritu rock, mientras casi todos elegían la sofisticación tecnológica. A mi parecer, pertenecen a una serie de grupos que en esta época dorada de la música británica han quedado en un segundo plano pero son fundamentales a la hora de entender el rock hoy en día, de hecho son nombrados como fuente de inspiración entre prácticamente todos los músicos de rock británicos de hoy en día.
El grupo se formo en Hereford, ciudad natal de los componentes de la formación original. El guitarrista Mick Ralphs (nacido el 31 de mayo de 1947), el batería Pete "Overend" Watts (nacido el 13 de mayo de 1947) y el organista Verden Allen (nacido el 26 de mayo de 1944) ya habían tocado juntos en varios conjuntos (The Buddys, The Shakedown Sound, The Doc Thomas Group y Silence) cuando decidieron trasladarse a Londres, a finales de los años sesenta. 

Ya en la Londres, la compañía discográfica Island Records los contrató, imponiéndoles un nuevo cantante, lan Hunter (nacido en Shrewsbury el 3 de junio de 1946); el grupo cambió de nombre, eligiendo Mott the Hoopel, inspirado en el personaje (Norman Mott) de una novela de Willard Manus. La agresiva presencia escénica de lan Hunter y su talento de compositor dieron nueva fuerza al grupo, y el guitarrista Mick Ralphs se convirtió en su pareja ideal.

 Entre 1969 y 1972 Mott the Hoople se crearon un séquito de fieles admiradores, y publicaron cuatro álbumes: 'Mott the Hoople' (1969), 'Mad shadows' (1970), 'Wild life' (1971) y 'Brain capers' (1971). Realizados todos con la producción de Guy Stevens, de Island Records, estos álbumes no obtuvieron un buen éxito comercial y recibieron duras críticas para el grupo (considerado demasiado tosco en su rock'n'roll) y para el cantante (acusado de inspirarse descaradamente en Bob Dylan).


 Hasta aquí fue lo que paso a denominarse como los "Island Years" de Mott The Hoople, su época mas desconocida, pues a partir de 1972 con su disolución y posterior resurgimiento de sus cenizas ayudados por David Bowie, fan numero uno de la banda, la cosa cambio y fue cuando comenzó la leyenda de esta gran banda.

Pero centremosnos en mi elección, el primer álbum de Mott The Hopple del año 1969. Una figura fundamental en estos inicios del grupo fue la de Guy Stevens, productor, mentor y guía de la banda en sus inicios. Su intención era la de crear una banda que sonara como los Rolling Stones de la época pero cantada por Bob Dylan y vaya si lo consiguió. No hay mas que escuchar este álbum y se aprecia de forma clara (demasiado clara), siendo este uno de los motivos de las malas criticas que sufrieron en esos inicios.

Inicialmente el álbum esta compuesto por ocho temas, una mezcla de temas instrumentales, temas propios y versiones varias.

Inician con una versión instrumental de "You Really Got Me" de los Kinks donde Mick Ralphs nos da una pequeña muestra de su buen hacer a la guitarra. Siguen con una versión de Doug Sahm, afamado country man y figura del Tex-Mex, llamada "At The Crossroads" donde Ian Hunter se convierte en un clon de Dylan, costaría diferenciarlos. Siguiendo con la linea Country/Folk, y clonando a Dylan, el tercer tema es una versión de Sonny Bono, "Laugh At Me" y la cuarta, escrita por el propio Hunter, "Backsliding Fearlessly"

Así llegamos a la segunda parte de este trabajo y la que mas me gusta a mi. La inician con un autentico bombazo rocker, el tema llamado "Rock and Roll Queen", un autentico himno precursor de la época glam que nos traerían años después y donde Mick Ralphs se desenvuelve en sus terrenos favoritos. Continuan con una corta, pero intensa canción instrumental llamada "Rabbit Foot And Toby Time" que enlaza a la perfección con la otra joya de este álbum, la larga, instrumental y pomposa "Half Moon Bay" diez minutos de disfrute a la antigua usanza. Finalizan con un tema es rito por el productor,Guy Stevens, "Wrath and Wroll", una canción corta instrumental sin mucho sentido, la verdad.

En una reedición del año 2003 se incorporaron dos temas mas, "Ohio", versión de Neil Young, cantada por Mick Ralphs y "Find Your Way" tema instrumental escrito por Ralphs.

Resumiendo, un álbum debut de una banda de esas que la historia los ha dejado en un segundo plano pero que musicalmente es clave para entender todo lo que vendría después en el ámbito musical del rock británico. No es que sea una obra de arte pero contiene dos temas que son autenticas joyas de la música rock.


jueves, 11 de septiembre de 2014

Por amor a la musica: Suda "Orangutan" (2005)


Regresa el juego Por Amor A La Música (PAALM) y con ello la actividad a este blog. Siendo sinceros, mi idea era darle algo de vidilla durante el verano pero como consecuencia del agotamiento con el que llegue al inicio del verano y la pereza consiguiente los movimientos en este humilde rincón de la blogosfera han sido nulos.

Pero vayamos al grano, temporada nueva, energías renovadas y los mismos participantes, con lo cual la diversión, la pasión por la música y el enriquecimiento mutuo considero que esta asegurado.

Como primer tema propuesto por el master Forrest tenemos la brillante idea de mezclar portadas de álbumes o CD´s con bichos o animales, siendo la primera propuesta la de portadas en las que aparezca un simio de grandes proporciones. La idea general me ha encantado, la verdad pues, pese a estar en decadencia el tema de la ilustración de los álbumes o CD´s debido a la invasión de los formatos digitales, es algo que me apasiona.

Sin embargo esta ronda inicial me venido bien para darme cuenta que dentro de mi particular mundo musical no es que haya una presencia destacada de simios pululando por ahí, así que a investigar toca.

Y así es como he llegado a descubrís a mi propuesta de hoy, un grupo peruano llamado Suda y su cuarto trabajo "Orangután" del año 2005. No esperéis que me las de erudito en música peruana pues mi contacto con la música de aquellas tierras no va mas allá de los típicos vídeos frikis y horteras que abundan por Internet.

Después de un par de escuchas os digo que me he quedado bastante sorprendido pues nos encontramos ante un grupo que practica una mezcla de ska, punk, rap y hardcore mas propio de grupos argentinos o Mano Negra, incluso que del Perú. Repito que este comentario lo hago desde mi ignorancia.

Los componentes del grupo en este álbum son:

  • Ricardo Wiese, voz
  • Raul Montesinos, Guitarra, coros
  • Gonzalo Carrillo, Bajo, coros
  • Constantino Alvarez, Bateria
  • Bruno Macher, Saxofon
El álbum esta compuesto por 10 temas mas dos bonus tracks ("Interruptus No" y "Pubismaniak"), versiones de dos canciones de sus inicios musicales.

El álbum, en su conjunto,  es contundente, canciones cortas y rápidas (29 minutos en total) con presencia de riffs metálicos ("Tripulante") no tan presentes en discos anteriores, un bajo que le da un ritmo frenético al álbum y un saxo con una presencia excelente, sin duda, dándole ese carácter skatalitico. el cantante la verdad que me ha parecido alucinante.

El punto álgido de este trabajo lo encontramos en canciones como "Orangutana", "La vida en bolsa" y "Mundo pistola". Los dos bonos tracks son canciones antiguas regrabadas con letras bastante mas explícitas que el resto.

A continuación os pongo el tracklist en vídeo, darle una escucha y espero que os sorprenda, al igual que a mi, positivamente.
































jueves, 26 de junio de 2014

Por Amor a La Musica: Fin de temporada y un pequeño homenaje al verano. "All Summer Long" Kid Rock.



Cierre de temporada en PAALM y que mejor forma de hacerlo que con nuestro particular himno del verano, tal y como propone Forrest. Mi aportación es la canción "All Summer Long" de Kid Rock, canción de su noveno álbum "Rock and Roll Jesus".

 En esta canción, Kid Rock samplea dos canciones míticas, el "Werewolves in London" de Warren Zevon y "Sweet Home Alabama" de Lynyrd Skynyrd, idea que le sugirió el productor y DJ, Mike E. Clark.  Disfrutadla junto a su magnifico videoclip y no me queda mas que deciros que seguiré por estos lares, poniéndome al día con alguna que otra entrada pendiente que tengo y disfrutando de un verano que espero sea largo, muy largo y me de todo lo que espero de el. Un saludo a todos.





lunes, 23 de junio de 2014

Por Amor a La Musica: Anathema "Hindsight" (2008)



Por los pelos mas que por amor a la música, diría yo que me encuentro en este punto del juego, mas vale tarde que nunca, es lo que tiene estar sin conexión a la red durante un magnifico fin de semana.

En fin, no me voy a justificar demasiado, así son las cosas. La ultima propuesta de esta ronda fraternal, de la mano de Carlos y su fenomenal "Motel Bourbon" gira en torno a la figura de los hermanos Cavanagh, "alma mater" del grupo Anathema.

Al igual que a algunos de los participantes de PAALM no tengo ni idea del recorrido de esta banda ni de los hermanos en cuestión, lo único el nombre de la banda, el cual yo lo relacionaba directamente con el mundo del "doom metal", vamos, voces guturales, guitarras densas y poca melodía, conjunto de aspectos que nunca me han atraído mucho, la verdad.

Sin embargo, es a partir de su tercer álbum donde dan un cambio radical a su carrera musical, orientándose hacia vertientes mas progresivas, lo cual no es que haga que aumente mi interés por ellos, la verdad.

Mi propuesta para esta ronda es el álbum "Hindsight", el octavo de la banda, grabado con el sello Peaceville Records. Nos encontramos con un álbum semiacústico, con canciones clásicas regrabadas salvo el tema nuevo "Unchained" con el que cierran este trabajo.

Pese a ser semiacustico prevalece el espíritu e intenciones de la banda sobretodo. Nos encontramos con ambientes densos. melancólicos, oscuros, tristes muy tristes y que queréis que os diga, esto no concuerda mucho con mi estado de animo actual ni la época en la que nos encontramos. Ahora mismo estoy con mas ganas de música que me hagan sentir alegrías, sudores y pensamientos positivos y obscenos, vamos, que como diría el protagonista de los Serrano (Antonio Resines), tengo "la mente sucia" y me gusta rodearme de propuestas musicales en esa linea.

Este álbum mas para las épocas grises del año, me ha recordado mucho a la que ponen al finalizar los capítulos mas bestiales de "Juego de Tronos" (no dejéis de verla, que cuarta temporada, por dios) y quizás por eso le haya podido dar una oportunidad.




 

sábado, 14 de junio de 2014

Por Amor a La Musica: The Isley Brothers "The Heat is On" (1975)


No sabria como definir las sensaciones que he tenido desde que vi la propuesta de Bernardo desde su "tocadiscos dual" para esta ronda fraternal de PAALM. Sabia o intuía que me iba a llevar hacia territorios hostiles para mis conocimientos musicales, cosa que me gusta y saca el lado mas masoquista que pulula en "mis interiores", siempre y cuando tenga el tiempo suficiente para saborearlo, cosa que por desgracia no es lo que me sobre ahora, el tiempo, pero con su propuesta de esta semana, los Isley Brothers no hace mas que me ponga en evidencia conmigo mismo y con el resto de "blog readers" que os paséis por aquí porque no tenia ni la mas pajolera idea de quienes eran estos señores. Después de leer el espléndido post de Bernardo sobre estos hermanitos me doy cuenta que son una saga de músicos de lo mas importante y longevo en esto de la música, pues llevan en activo desde el año 1954 y con un contenido, bien sean canciones, álbumes y colaboraciones que dejan pequeños a cualquier otra familia de músicos que se os pase por la cabeza.


Dado mi desconocimiento total mi elección del álbum en cuestión la hice dejandome llevar por mi intuición, dentro de su extensisima discográfica me llamo la atención el titulo de un álbum del año 1975, "The Heat Is On", "Esto tiene que ser funky o soul total con toques disco" pensé y como con esto del calor, la sangre caliente, los primeros días de playa y sol a uno lo que le pide el cuerpo es algo alegre, movido y tórrido me lance a su escucha y lo primero que pense fue que ya podía tener la misma intuición que tuve con este disco para el reto de cosas de la vida porque di en el clavo de forma precisa y certera.


Este album consta de seis canciones (siete en la edición en CD, pues le meten una versión en vivo de "Fight The Power") las cuales constan todas de una primera y segunda parte, lo cual es curioso pues en algunas apenas se perciben esa partición y en otras es clara, vamos resumiendo, son seis canciones largas y de una calidad sublime, cada una dentro de su estilo.


Este album consta de dos partes claramente diferenciadas, las tres primeras canciones donde los hermanos Isley demuestran que son un autentica maquina del funk con la inicial "Fight The Power" y ese bajo de Marvin Isley que se te mete en el cuerpo y te hace moverte como si te hubieras tragado una anaconda rabiosa, sencillamente espectacular. Le sigue el tema que da titulo al álbum "the Heat Is On", mas pausado, mas sexual pero con un groove tremendo, funky al 100%. "Hope You Feel Better Love" es una mezcla magistral de funk, soul, disco y rock bestial, un medio tiempo donde la batería de Ernie Isley nos lleva suavemente a lo que a partir de los dos minutos y treinta y seis segundos es un solo de guitarra del mismo Ernie sencillamente brutal, Hendrix total que para si lo quisieran muchos guitarristas de la época.

Y asi es como de repente el álbum da un giro radical con las tres siguientes canciones y cara B del álbum, como si del "cigarrillo de después" se tratara nos ofrecen tres joyas de soul tranquilito y relajado empezando con uno de sus dos singles de este álbum "For The Love Of You", el otro fue "Fight The Power". Que delicia, soul sensual, relajante donde la voz, no se si de Ronald o de Rudolph Isley, te traslada a un paraíso lleno de sensualidad y buenas compañías. Con "Sensuality" y "Make Me Said it Again Girl" mas soul de primera y todo envuelto en terciopelo sin caer en la ñoñería.

Magnifico trabajo que no va hacer otra cosa que meterme el gusanillo con esta fantástica familia de músicos.




PD. Ahora me doy cuenta que en esta ronda del juego he coincidido álbum con Pupilo Dilatado, "Pupi", ya lo siento, es una pura coincidencia, de verdad, no me había dado cuenta hasta el momento de publicar y no tengo tiempo de rectificar, la culpa es del video que nos puso "Pupi"de Kate Upton que me tiene atontado perdido.

miércoles, 4 de junio de 2014

Por Amor a La Musica: Los hermanos Porcaro. Toto (1978)



Y llego mi turno en PAALM, esta vez con una semana de antelación por el descanso temporal de Vinny, cuya participación echaremos en falta, sin duda.

La temática a tratar es la de los hermanos que hayan tocado juntos, preferiblemente no muy famosos, cosa que hace mas interesante esta ronda, y comentar un álbum en el que participen.

Mi elección es la de los hermanos Porcaro, Jeff, Steve y Mike. Musicalmente el nexo de unión de estos tres hermanos es la banda Toto.
Sus grandes conocimientos musicales les vienen de familia pues su padre era el batería y percusionista de jazz Joe Porcaro.

Jeff Porcaro es el mayor de los tres hermanos, nació en Connecticut, Estados Unidos un 1 de Abril de 1954. Ya a los 17 años estaba tocando con Sonny and Cher para después realizar varias grabaciones con Steely Dan y Boz Scaggs y en 1978 ser fundador de la banda Toto. ya desde esos inicios despuntaba como un gran batería llegando a ser considerado, con el paso de los años, uno de los baterías mas importantes de la historia del rock. De él sorprendieron muchas cosas, sobretodo su madurez musical. Aplicar los ritmos que aplicaba a sus canciones y en aquella época era algo increíble sobretodo teniendo en cuenta su corta edad. A decir de los entendidos en batería el Shuffle que imprime a su batería en la canción "Rossana" de su álbum "IV" es sencillamente impecable, toda una lección de batería.
Jeff Porcaro

Además de gran batería también fue un reconocido compositor, letrista y productor. Su lista de colaboraciones es sencillamente impresionante, nombres como Paul McCartney, Dire Straits, Donald Fagen, George Benson, Lee Ritenour, Christopher Cross, Barbara Streisand, Peter Criss, Tommy Bolin, Leo Sayer, Pink Floyd, Chicago, Bee Gees, Eric Clapton, Madonna y un sinfín mas de nombres de primerísima fila contaron con sus servicios como músico de sesión y su única forma de tocar la bateáis, que según comentaron en la prensa especializada, cambio y definió la forma de tocarla desde los 80´s en adelante.
Jeff Porcaro sufrió un mortal e inesperado ataque al corazón el 5 de agosto de 1992 a la edad de 38 años. Un plaguicida que usaba en el patio de su casa provocó una reacción alérgica que desencadenó el ataque. Una necropsia reveló una grave dolencia cardíaca que no había sido previamente diagnosticada.

Steve Porcaro nació un 2 de septiembre de 1957, también en Connecticut, es el menor de los tres hermanos pero después de Jeff es el mas conocido musicalmente. Es teclista, compositor y miembro fundador de Toto, banda en la que permaneció hasta 1986 para después dedicarse a colaborar con grupos del calibre de Yes, Jefferson Airplane y Chris Squire entre otros. Además de sus composiciones para Toto destaco su canción "Human Nature" que hizo para Michael Jackson en "Thriller"
A partir de 2010 realiza colaboraciones continuas con Toto a raíz de una gira que se realizo en apoyo de su hermano Mike.

Ademas destaca actualmente grabando temas para películas y series de televisión como "Justified".

Steve Porcaro

Mike Porcaro es bajista y compositor, el hermano de "en medio" de los Porcaro, nacido en un 29 de Mayo de 1955. Fue bajista de sesión en los primeros álbumes de Toto, para pasar a ser miembro oficial de la banda a partir de la gira del álbum "IV". Uno de los motivos por lo que no fue miembro oficial de la banda desde el inicio fue que la compañía discográfica Columbia "vendió" a los Toto como la banda que respaldo a Bozz Scaggs en su exitoso álbum "Silk Degrees" y Mike no estaba ahí, toco el bajo David Hungate, con lo que tuvo que estar esos años en un segundo plano, en fin, cosas de las discográficas.
Permanecio en Toto hasta que en 2007 le diagnosticaron ELA (Esclerosis Lateral Amiotrofica).

Mike Porcaro

Musicalmente nos encontramos ante otro virtuoso, no tan aclamado como sus dos hermanos, pero con gran influencia en futuras generaciones de bajistas.

Centrandome en el juego el resto de participantes tenéis que comentar un álbum en el que hayan participado al menos dos de los tres hermanos Porcaro. No os centréis solo en la discográfia de Toto pues Toto además de ser una gran banda participaron como músicos de sesión de auténticos grandes de la música, lo cual abre el abanico de posibilidades, investigad un poco y sorprendernos. Respecto al descarte, después de pensármelo mucho he optado por el álbum "Absolutely Live", el porque, la verdad que por ser un recopilatorio, tengo curiosidad por ver los post de mis compañeros de juego y por eso no quiero descartar otra grandes obras de estos músicos.

Mi elección es el álbum debut de la banda Toto, titulado con el mismo nombre del grupo.

Es curiosa la historia de como esta banda se llego a llamar Toto, eso lo contare un poco mas adelante.
El origen de la banda se fraguo entre Jeff Porcaro y David Paich, teclista e hijo del músico de sesión y arreglaste Marty Paich. Ambos se conocieron en la Grant High School formando la banda "Rural Still Life" y a partir de ahí coincidieron como músicos de sesión en muchas de las grandes obras de los 70. Inmediatamente propusieron como bajista a otro compañero de sesiones, David Hungate, a quien conocieron durante su colaboración con Boz Scaggs. Posteriormente contactan con el guitarra Steve Lukather y con el hermano de Jeff, Steve Porcaro, ambos compañeros de escuela que habían continuado el legado de la banda colegial "Rural Still Life". Solo faltaba un vocalista y enseguida incorporaron a sus filas a Bobby Kimball, vocalista de la banda S.S. Fools.


Comenzaron la grabación de su primer álbum en 1977 y nada mas y nada menos que con Columbia records. A lo largo de las sesiones de grabación, como el grupo no tenia nombre todavía, y debido a que en esos días habían visto la película "Mago de Oz", pusieron en las etiquetas de las cintas de grabación, con tal de distinguirlas del resto de grupos de los estudios, el nombre de Toto, que era así como se llamaba el perro de la protagonista de dicha película. Cuando llego el momento de dar nombre a la banda se decidió adoptar el que venia en dichas etiquetas de grabación, nombre, Toto, que gusta a todos menos al guitarra de la banda, Steve Lukather.

Este album se puede considerar como el debut deseado por cualquier banda, pues fue un éxito total. Consta de 10 maravillosos temas, 8 de los cuales están escritos por David Paich, figura principal de la banda, uno, "You Are The Flower" por Bobby Kimball y otro "Takin´it Back" por Steve Porcaro.

Su primer sencillo fue el ya un clásico. "Hold The Line", les aupo al numero 5 en los States, después sacaron como sencillos "I´ll Supply The Love" y "Georgy Porgy", con la colaboración de la cantante soul Cheryl Lynn, otras dos joyas que hicieron que este disco debut llegara al millón de copias vendidas.

Pero es que el resto del álbum no desmerece respecto a estos sencillos. canciones como "Manuela Run", "Rockmaker", "Taking Back""Girl Goodbye" y "Takin´it Back" son autenticas joyas.

Es curioso, no lo sabia hasta hacer este post que ademas del gran Bobby Kimball, también cantaban en distintos temas, Lukather, Steve Porcaro y Paich, todos con un registro vocal similar.

Este fue un inicio soñado para una banda que no tenia ni idea de la época dorada que se les venia encima con álbumes y colaboraciones al alcance de muy pocos músicos, fueron la banda que grabo "Thriller" de Michael Jackson. Sin lugar a dudas la música pop y rock que se hizo a partir y durante los 80´s tienen mucho que agradecer a esta banda de genios de la música.